<p>
                                Size doesn't matter, they told us, as they showed women with girl bodies and men sculpted by hours in the gym. They told us that it doesn't matter if you are a man or a woman, while the management, command, and decision-making positions over their bodies and ours were taken over by them. While the invisible them had neither space nor security in society. They said it doesn't matter where you come from, but they used racialised people to fill quotas as if they were cute removable pieces to utilise at will. Things are better than they used to be, they tried to convince us so that everything would continue the same. Beauty is on the inside. And it wasn't.</p><p><br></p><p></p><hr><p></p><div>We are going to do things differently now. At UNO, we are going to be consistent; we are changing to improve, evolving to include, and we will put those bodies that were previously left aside in front of the camera. We will enlarge and, above all, redefine the concept of what is beautiful.</div><div>We will be role models.</div><hr><div><img src="https://mediaslide-europe.storage.googleapis.com/uno/news_pictures/2022/12/large-1671455305-3ec66ae1ac794215c47414c70adf4181.jpg"><br></div><div><span style="font-family: myfont;">&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;</span></div><p></p>


                                
                                <div>La talla no importa, nos decían mientras nos mostraban mujeres con cuerpos de niñas y hombres esculpidos por horas de gimnasio. No importa si eres hombre o mujer, nos contaban mientras los puestos dirección, de mando, de decisión sobre sus cuerpos y los nuestros estaban copados por ellos. Mientras les elles invisibles no tenían ni espacio, ni seguridad en la sociedad. Da igual de dónde vengas, pero utilizaban a las personas racializadas para llenar cupos, como si fueran simpáticas piezas de quita y pon para usar a su antojo. Estamos mucho mejor que antes, nos convencían para que todo siguiera como siempre. La belleza está en el interior. Y no lo estaba.</div><hr><div><br></div><div><br></div><div>Vamos a hacer las cosas de forma distinta ahora. En UNO vamos a ser consecuentes; vamos a cambiar para mejorar, evolucionar para incluir, vamos a poner delante de la cámara aquellos cuerpos que antes dejábamos de lado. Vamos a agrandar y, sobre todo, a redefinir el concepto de lo que es bello.&nbsp;</div><div>Vamos a ser un modelo a seguir.&nbsp;</div><div><br></div><hr><div><img src="https://mediaslide-europe.storage.googleapis.com/uno/news_pictures/2022/12/large-1671455305-3ec66ae1ac794215c47414c70adf4181.jpg"><br></div><div><br></div>                                                        

We care

UNO MODELS MANIFEST

<span style="font-size: 18px;">Virtual collections. Synthetic models. Algorithmic stylists. What once seemed like a fashion tech fever dream is now scrolling across our screens and shaping the way we dress, design, and define beauty. As generative AI tools spill into the creative sphere and the speculative becomes structural, fashion is facing a new kind of disruption: fast, frictionless, and immaterial.</span><div><br><span style="font-size: 18px;">
                                                                    </span><div></div><div><span style="font-size: 18px;">For an industry rooted in physicality—touch, texture, tailoring—the rise of artificial intelligence urgently raises uncomfortable questions. Can creativity be automated? Can identity be rendered synthetically? And as AI enters the atelier, who gets left behind?</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">This isn’t just a shift in aesthetics. It’s a shift in authorship, labor, and value. And it’s already happening.</span></div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Designing at Prompt Speed</span></span></div><div><br></div><div>In the new AI-powered landscape, creativity is no longer bound by sewing machines or sketchbooks—it’s driven by prompts. Tools like DALL·E and Midjourney allow anyone to shape editorial-ready visuals in seconds, no fabric or fittings required. The imagery is hyper-slick, glossy, and eerily perfect. The process feels effortless, but the implications run deep.</div><div><br></div><div>In 2023, Paris-based label Casablanca unveiled Futuro Optimisto, a campaign crafted entirely through AI. The results (chrome horses, floating tennis courts, models that seem to glow from within) were dazzling, but also disorienting. No humans were photographed. No garments were handmade. It was fashion untethered from its material core.</div><div><br></div><div>Not only are campaigns going virtual, but so is the entire design process. With AI resources multiplying and growing more intuitive, sketching, draping, and sampling are giving way to prompting, iterating, and rendering. Craft is turning into code. Fashion is no longer confined to the studio; it now unfolds across screens, where a new generation of creators is finding its footing in the algorithmic realm.</div><div><br></div><div>Initiatives like The New Black position themselves as digital ateliers for the AI age: open, fast, and radically accessible. Interfaces that once required technical fluency or expensive software now invite experimentation through plain language. For emerging talents, it’s a powerful gateway. For legacy brands, it poses a deeper challenge: if design is democratized—and inspiration machine-spun rather than gestated—who decides what’s worth producing in a time of polished simulations?</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">Dressed by the Algorithm</span></div><div><br></div><div>If algorithms can conceive collections, why not assemble looks too? For Gen Z, the answer increasingly leans toward yes. Fashion-conscious users are turning to AI-powered platforms not just for inspiration but for personal guidance, outsourcing taste itself. One standout example: Cladwell, a digital fashion advisor built on ChatGPT, capable of recommending outfits based on weather, calendar events, mood, or aesthetic references. It doesn’t just suggest what to wear; it learns what you like. Instantly.</div><div><br></div><div>As these systems evolve into more conversational and customizable environments, the traditional role of the stylist—once an interpreter, a curator, a collaborator—begins to blur. Why book a session when you can chat with a bot that’s available 24/7, free of charge, and trained on millions of data points? The image-maker now competes with a machine that never sleeps and knows every microtrend in circulation.</div><div><br></div><div>Meanwhile, platforms such as Daydream are reframing how fashion is discovered. Marketed as an “AI-powered inspiration engine,” it reorganizes how users encounter style not by brand or season, but through adaptive pathways of desire. Rather than dictating trends, it’s about decentralizing them.</div><div><br></div><div>In this new landscape, taste is no longer a slow-brewing sensibility—it’s a service. Curated, automated, and always on.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Pixel-Perfect Faces</span></span></div><div><br></div><div>They don’t age, blink off-beat, or ask for a day rate. Digital models—designed by humans, trained by datasets, and optimized for engagement—have quietly slipped into the front rows of fashion. Figures like Shudu, often dubbed “the world’s first digital supermodel,” or Spanish Aitana López, an entirely AI-generated influencer, now land brand deals, rack up followers, and front campaigns that blur the line between real and rendered.</div><div><br></div><div>At first glance, these avatars promise efficiency. No travel. No logistics. No human error. For brands, they offer full creative control over appearance, lighting, setting, and even personality. But beneath the surface, a more complicated picture emerges: one in which visibility and representation are simulated, not lived. Diversity becomes a visual filter. Identity, an asset to be programmed.</div><div><br></div><div>This phenomenon could bring tangible consequences for those behind the profession. If campaigns were to be built around virtual bodies, the demand for real ones could fade, leading to fewer jobs, fewer castings, and fewer chances for aspiring models to break into an industry already marked by volatility and gatekeeping. The competition would come without contracts, fatigue, or flaws.</div><div><br></div><div>While synthetic faces are often praised for championing diversity, they do so without stories, struggle, or lived identity. What looks like progress on the surface risks becoming a new kind of erasure, where inclusion is aestheticized but not embodied.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>


                                    
                                    <span style="font-size: 18px;">Colecciones virtuales. Modelos sintéticos. Estilistas algorítmicos. Lo que hace poco parecía un delirio tecnofuturista desfila hoy por nuestros dispositivos y empieza a moldear la forma en que vestimos, diseñamos y definimos la belleza. A medida que las herramientas de IA generativa se hacen hueco en la esfera creativa y lo especulativo se vuelve estructural, la moda se enfrenta a un nuevo tipo de disrupción: rápida, sin fricción e inmaterial.</span><div><br><span style="font-size: 18px;">
                                                                    </span><div></div><div><span style="font-size: 18px;">Para una industria arraigada en la fisicidad (el tacto, la textura, el patronaje), el auge de la inteligencia artificial plantea preguntas incómodas. ¿Puede la creatividad automatizarse? ¿Y la identidad, ser renderizada? Cuando la IA se adentra en el atelier, ¿quién se queda fuera?</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">No es solo una transformación estética. Asimismo, es un cambio en la autoría, el trabajo y el valor, y ya está en marcha.</span></div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Diseñar a velocidad de prompt</span></span></div><div><br></div><div>En el inaudito escenario propulsado por la inteligencia artificial, la creatividad no depende de la máquina de coser ni del cuaderno de bocetos: ahora se activa a golpe de prompt. Aplicaciones como DALL·E o Midjourney permiten a cualquiera generar visuales dignos de una editorial en cuestión de segundos, sin necesidad de tejido ni pruebas de vestuario. Las imágenes son hiperlisas, brillantes, inquietantemente perfectas. El proceso parece inmediato, pero las implicaciones son complejas en profundidad.</div><div><br></div><div>En 2023, la firma parisina Casablanca presentó Futuro Optimisto, una campaña ejecutada íntegramente mediante IA. El resultado (caballos cromados, pistas de tenis flotantes, modelos que parecen brillar desde dentro) fue deslumbrante y a la vez desconcertante. No se fotografió a ninguna persona ni se confeccionó ninguna prenda; era moda desligada de su núcleo material.</div><div><br></div><div>Lo virtual empieza a reconfigurar el proceso de diseño en su totalidad. Según proliferan los recursos basados en IA y se vuelven más intuitivos, dibujar, drapear y prototipar cede el paso a escribir prompts, iterar y renderizar. El oficio se convierte en código. La moda ya no habita exclusivamente en el estudio, sino que se despliega en las pantallas, donde una nueva generación de creadores está encontrando su lugar en el entorno algorítmico.</div><div><br></div><div>Iniciativas como The New Black se presentan como ateliers digitales abiertos, ágiles y radicalmente accesibles. Interfaces que antes requerían formación técnica o software de pago invitan en la actualidad a experimentar usando tan solo el lenguaje. Para los nuevos talentos, es una empoderadora y sugerente vía de entrada. Para las marcas consolidadas, no obstante, representa un desafío mayor: si el diseño se democratiza y la inspiración se genera por operaciones en lugar de gestarse orgánicamente, ¿quién decide qué vale la pena producir en una era de simulaciones pulidas?</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Vestido por el algoritmo</span></span></div><div><br></div><div>Si los algoritmos pueden concebir colecciones, ¿por qué no podrían también armar estilismos? Para la generación Z, la respuesta se inclina cada vez más hacia el sí. Usuarios con sensibilidad estética recurren a plataformas impulsadas por IA para, más allá de inspirarse, recibir orientación personalizada, delegando el gusto en la máquina. Un ejemplo representativo es Cladwell, un asesor digital de moda construido sobre ChatGPT, capaz de recomendar outfits en función del clima, la agenda, el estado de ánimo o una referencia visual. No solo sugiere qué ponerse; también aprende lo que te gusta al instante.</div><div><br></div><div>A medida que estos sistemas evolucionan hacia entornos más conversacionales y personalizables, el papel tradicional del estilista (antes intérprete, curador, colaborador presencial) comienza a desdibujarse. ¿Para qué reservar una sesión si puedes conversar con un bot disponible las 24 horas, gratuito y entrenado con millones de datos? El creador de imagen compite ahora con un androide que nunca duerme y conoce toda microtendencia.</div><div><br></div><div>Mientras tanto, start-ups como Daydream están replanteando cómo descubrimos la moda. Promocionada como un “motor de inspiración potenciado por IA”, esta herramienta reorganiza el modo en que los usuarios acceden al estilo: no por marca o temporada, sino a través de rutas adaptativas de deseo. No se trata tanto de dictar tendencias como de descentralizarlas.</div><div><br></div><div>En este nuevo paisaje, el gusto ya no se cultiva a fuego lento: se ofrece como servicio. Curado, automatizado y siempre a punto.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Rostros de píxel perfectos</span></span></div><div><br></div><div>No envejecen, ni parpadean fuera de ritmo, ni tampoco negocian su caché. Los modelos digitales (diseñados por humanos, entrenados con datos y optimizados para captar atención) se han colado, sin hacer ruido, en las primeras filas de la moda. Figuras como Shudu, considerada “la primera supermodelo digital del mundo”, o la española Aitana López, influencer generada íntegramente por IA, firman contratos con marcas, acumulan seguidores y protagonizan campañas que diluyen la línea entre lo real y lo renderizado.</div><div><br></div><div>A primera vista, estas avatares prometen eficiencia. Sin desplazamientos. Sin logística. Sin margen de error humano. Para las firmas, suponen control absoluto sobre la apariencia, la luz, el encuadre e incluso la personalidad. Pero bajo la superficie se dibuja un panorama más inquietante: uno en el que la visibilidad y la representación se simulan, pero no se viven. La diversidad se convierte en filtro visual. La identidad, en atributo programable.</div><div><br></div><div>Este fenómeno podría acarrear consecuencias tangibles para quienes ejercen la profesión. Si las campañas empezaran a construirse en torno a cuerpos virtuales, la demanda de presencias reales podría disiparse, reduciendo castings, oportunidades y contrataciones para modelos emergentes en una industria ya marcada por la inestabilidad y la exclusión. La competencia llegaría sin acuerdos, fatiga o imperfecciones.</div><div><br></div><div>Aunque estos rostros sintéticos se celebren como símbolo de inclusión, no traen consigo historias, luchas ni experiencias encarnadas. Lo que parece avance corre el riesgo de convertirse en una nueva forma de borrado; una donde la inclusión se estetiza, pero no se encarna.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>                                                                

La IA entra en escena: ¿a quién reemplaza la moda virtual?

AI Meets Fashion: Who Gets Replaced in the Virtual Shift

<span style="font-style: italic;">In a moment where rainbow marketing floods every feed, raising one’s voice —authentic, contradictory, political— is still an act of resistance. And of beauty.</span><div><br>
                                                                    <div>Pride is not silence.&nbsp;</div><div>Not assimilation.&nbsp;</div><div>Not self-erasure.&nbsp;</div><div>Not apology.</div><div><br></div><div>Pride is showing up.</div><div>Speaking out.</div><div>Being visible, even when it’s inconvenient.</div><div>Walking with intention.</div><div>Dressing without fear.</div><div>Speaking with your hands.</div><div>Taking up space with your body — even when it doesn’t fit expectations.</div><div>It’s queerness expressed through gesture, attitude, volume. Through what some call “too much.”</div><div><br></div><div>To be proud is to be loud.</div><div>As in visible, unmissable.</div><div>As in: “I will not dilute myself so you can be comfortable.”</div><div><br></div><div>Because yes — femininity in men, masculinity in women, gender nonconformity in everyone — that too is pride. And it deserves the mic.</div><div><br></div><div>We’ve been told to tone it down.&nbsp;</div><div>To act straight.</div><div>To fit in.</div><div><br></div><div>But flamboyance is not a phase.</div><div>Butch is not a costume.</div><div>Queer expression is not a problem — it’s power.&nbsp;</div><div>And that’s why we turn the volume up.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Being oneself: visibility as power</span></div><div><br></div><div>In queer life, visibility is never just about being seen — it’s about being interpreted. And not always correctly. It can be both liberating and dangerous. A gesture, a pitch, a haircut can carry more meaning than a full sentence. Sometimes it signals safety. Sometimes it invites violence. But often, it’s not a choice — it’s simply who we are. Unapologetically.</div><div><br></div><div>To be visible is to risk being read before being known. And yet, choosing to be visible remains one of the most powerful things we can do.</div><div><br></div><div>For some, that visibility takes the shape of softness in a body expected to be hard. For others, it’s in the refusal to smooth out edges, to "pass", to explain. Whether it comes through butch masculinity, femme flamboyance, or a quiet defiance of gendered codes, this expression is rarely casual — it’s built on years of tension, observation, resistance.</div><div><br></div><div>&nbsp;Writer Flanagan McPhee tweeted: “Every time I speak, I feel like I’m undoing years of being erased.” That feeling — of pushing back against centuries of misrecognition — is familiar to many. And it reminds us that visibility, when claimed on one’s own terms, is not about performance. It’s about presence. Not about standing out. But about no longer being asked to disappear.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Love Is LoveTM</span></div><div><br></div><div>Each June, the flood begins. Rainbow logos bloom like clockwork. Collections rebrand as “inclusive.” Campaigns speak of love and liberation. But come July, the colours fade — and so does the noise.</div><div><br></div><div>In the age of marketing, queerness has become a currency. A tool to boost relevance, to signal progressiveness, to momentarily “diversify” the grid. But what happens when that spotlight is borrowed, not lived? When queerness becomes aesthetic, and solidarity a seasonal strategy?</div><div><br></div><div>Queerness isn’t a trend. It doesn’t follow seasonal logic. It doesn’t fit the marketing calendar. It doesn’t flatten itself for convenience. It lives in the everyday — complex, contradictory, and deeply embodied.</div><div><br></div><div>Representation without structural change is just performance. Support without commitment is just branding. And too often, we’re offered tokens where there should be presence. A flash of colour. A borrowed face. A curated moment. But if there’s no one queer in the boardroom, no one behind the camera, no one in the creative brief... what are we really celebrating? Are you here because it matters, or because it sells?</div><div><br></div><div>Still, there are gestures that resist simplification. When “Protect the Dolls” moves from a printed phrase to a political demand. When Alex Consani takes the runway not just as a model, but as a trans woman refusing to be exceptionalised. When Lauren Chan graces the cover of Sports Illustrated Swimsuit and brings queerness and body politics into a mainstream that still struggles to hold either. When Hari Nef or Hunter Schafer appear in campaigns without hiding the tension they carry — and without being asked to.</div><div><br></div><div>These aren’t diversity checkboxes. They’re cultural forces. Interruptions. Frictions. Refusals to be tamed. And they remind us that Pride doesn’t ask to be included — it claims space.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">Why we raise our voice</span></div><div><br></div><div>At UNO, we don’t believe in representation as an afterthought. We don’t believe in celebrating diversity when it’s convenient, or in spotlighting identities only when the algorithm rewards it.</div><div><br></div><div>We work in an industry shaped by images — and images shape how we’re seen. Who gets to be looked at. Who gets to be hired. Who gets to be imagined.</div><div><br></div><div>That’s why we’ve made space not just for different faces, but for different ways of being. For bodies that carry stories. For identities that aren’t always easy to define. For voices that don’t echo the mainstream — and never intended to.</div><div><br></div><div>From day one, our job has never been to polish or neutralise. It’s been to accompany. To amplify. To insist that beauty isn’t found in erasure, but in specificity. In presence that isn’t asked to compromise.</div><div><br></div><div>We don’t raise our voice because it’s fashionable.&nbsp;</div><div>We raise it because too many still don’t get to.</div></div>


                                    <span style="font-style: italic;">En un momento en que el marketing arcoíris inunda todo feed, alzar la voz —auténtica, contradictoria, política— sigue siendo un acto de resistencia. Y de belleza.</span><div><br>
                                                                    <div>Orgullo no es silencio.&nbsp;</div><div>No es asimilación.</div><div>No es autoborrado.&nbsp;</div><div>No es disculpa.</div><div><br></div><div>Orgullo es exponerse.</div><div>Manifestar opinión.</div><div>Hacerse ver, incluso cuando no es conveniente.</div><div>Caminar con intención.</div><div>Vestirse sin miedo.</div><div>Hablar con las manos.</div><div>Ocupar espacio con el cuerpo, aunque no se rija por el canon.</div><div>Expresarse en gesto, actitud, volumen. En lo que algunxs consideran “demasiado”.</div><div><br></div><div>Orgullo es hacer ruido.</div><div>En el sentido de ser visible. Inconfundible. Inevitable.</div><div>En el sentido de: “No voy a achicarme solo para que tú estés cómodx.”</div><div><br></div><div>Porque sí: la feminidad en los hombres, la masculinidad en las mujeres, la no conformidad de género en cualquiera también es orgullo. Y merece un micrófono.</div><div><br></div><div>Nos han dicho que bajemos el tono.&nbsp;</div><div>Que nos ajustemos a la norma.</div><div>Que encajemos.</div><div><br></div><div>Pero la pluma no es una fase.</div><div>Lo butch no es un disfraz.</div><div>Lo queer no es un problema. Es poder.&nbsp;</div><div>Y por eso, subimos el volumen.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Ser unx mismx: la visibilidad como poder</span></div><div><br></div><div>En la vida queer, ser visible no es solo cuestión de ser vistx, sino también de ser interpretadx. Y no siempre de forma justa. Puede ser liberador, sí, pero también peligroso. Un gesto, un tono de voz, un corte de pelo pueden decir más que un discurso entero. A veces son señal de seguridad; otras, incitan a la violencia. Pero a menudo no es una elección — sencillamente, somos así. Sin complejos.</div><div><br></div><div>Ser visible es exponerse a ser leídx antes de ser conocidx. Y aun así, decidir mostrarse sigue siendo uno de los actos más poderosos que podemos ejercer.</div><div><br></div><div>Para algunxs, esa visibilidad toma la forma de una suavidad que no se espera en su cuerpo. Para otrxs, está en la negativa a disimular los bordes, a “pasar desapercibidx”, a justificarse. A veces se manifiesta en una masculinidad butch, a veces en una exuberancia femme, a veces en una</div><div>&nbsp;resistencia silenciosa a los códigos de género. Pero casi nunca es casual. Es una forma que nace de años de tensión, de observación, de autodefensa.</div><div><br></div><div>El escritor Flanagan McPhee tuiteó recientemente: “Cada vez que hablo, siento que deshago años de haber sido borrado.” Ese sentimiento —el de dejar atrás siglos de ausencia de reconocimiento— nos recuerda que la visibilidad, cuando se reclama en términos propios, no es performativo. Se trata de presencia. No de destacar, sino de dejar de pedir permiso para ser y estar.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Love Is LoveTM</span></div><div><br></div><div>Cada junio empieza la avalancha. Logos arcoíris que florecen como por arte de magia. Colecciones que se lanzan con la etiqueta de “inclusiva”. Campañas que hablan de amor y liberación. Pero llega julio, y los colores se apagan. Y con ellos, desaparece el ruido.</div><div><br></div><div>En tiempos de marketing, lo queer se ha convertido en moneda. Un recurso para ganar relevancia, para simular progreso, para diversificar un grid durante unas semanas. Pero ¿qué pasa cuando esa visibilidad es prestada, no vivida; cuando lo queer se vuelve estética, y la solidaridad, una estrategia estacional?</div><div><br></div><div>Ser queer no es una tendencia. No sigue la lógica de las temporadas. No encaja en el calendario de campañas. No se suaviza para agradar. Se vive cada día — de forma compleja, contradictoria, profundamente encarnada.</div><div><br></div><div>La representación sin cambios estructurales es solo una puesta en escena. El apoyo sin compromiso, puro branding. Y son demasiadas las veces en que nos ofrecen tokens donde debería haber presencia. Un destello de color. Una cara prestada. Un momento cuidado al milímetro. Pero si no hay personas queer en la sala de decisiones, detrás de la cámara, en el briefing creativo... ¿qué estamos celebrando realmente? ¿Estás aquí porque importa o porque vende?</div><div><br></div><div>Aun así, hay gestos que se oponen a la simplificación. Cuando “Protect the Dolls” deja de ser una camiseta para convertirse en una exigencia política. Cuando Alex Consani pisa la pasarela no solo como modelo, sino como mujer trans que se niega a ser tratada como una excepción. Cuando Lauren Chan aparece en la portada de Sports Illustrated Swimsuit y pone sobre la mesa la visibilidad lésbica y la política del cuerpo en un mainstream que sigue sin saber sostenerlas. Cuando Hari Nef o Hunter Schafer protagonizan campañas sin tener que esconder la tensión que encarnan — y sin que nadie se lo pida.</div><div><br></div><div>Estas, y muchas otras, no son casillas de diversidad para llenar. Son fuerzas culturales. Interrupciones. Fricciones. Negativas a ser domesticadas. Y nos recuerdan que el Orgullo no pide permiso para entrar. Reclama espacio.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Por qué alzamos la voz</span></div><div><br></div><div>En UNO no entendemos la representación como una coletilla. No creemos en celebrar la diversidad solo cuando conviene, ni en poner el foco sobre ciertas identidades únicamente cuando el algoritmo lo recompensa.</div><div><br></div><div>Trabajamos en una industria regida por la imagen —y las imágenes moldean cómo nos ven. Quién puede ser miradx. Quién consigue el trabajo. Quién se convierte en posibilidad.</div><div><br></div><div>Por eso, en lugar de buscar caras distintas que digan lo mismo, abrimos espacio a otras formas de estar. A cuerpos que cargan historias. A identidades que no siempre se dejan definir. A voces que no repiten la misma historieta de siempre —y que nunca pretendieron hacerlo.</div><div><br></div><div>Desde el principio, nuestro trabajo no ha sido pulir ni neutralizar. Ha sido acompañar. Amplificar. Insistir en que la belleza no está en la omisión, sino en el detalle. En la presencia que no se disculpa.</div><div><br></div><div>No alzamos la voz porque esté de moda.&nbsp;</div><div>La alzamos porque muchxs aún no pueden.</div></div>                                

ORGULLO ES HACER RUIDO

TO BE PROUD IS TO BE LOUD

The skirts are getting longer. The fabrics are thicker. The colours — slate, sand, oatmeal — have softened in intensity. Logos are vanishing, silhouettes repeating, and luxury, once loud and theatrical, now whispers in cashmere and camel wool. At first glance, this might seem like a seasonal shift. But style rarely moves in a vacuum.<div><br>
                                                                    <div></div><div>From London to Milan, Autumn/Winter 2025 runways have adopted a distinctly careful tone. Neutral palettes, sharp tailoring, minimal ornamentation… everything seems to say: “Don’t stand out, stay composed”. A subtle elegance has taken over, echoing a wider social mood. And it’s not the first time we’ve witnessed this phenomenon. Throughout modern history, fashion has responded — consciously or not — to economic turbulence. Hemlines dropped during the Great Depression. Minimalism rose with the 2008 crash. Even hair colour isn’t exempt: “Recession blondes” are making headlines again, favouring muted tones over high-maintenance glam.</div><div><br></div><div>This isn’t just a question of aesthetics. It’s a reflection of uncertainty, of a collective instinct to dress with restraint, or for protection. Clothing, often dismissed as frivolous, becomes an emotional currency in moments like these. And in 2025, it’s speaking volumes. Quietly, but clearly.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Signs Of The Times</span></span></div><div><br></div><div>Garments don’t just cover more leg — they slow down the pace. Longer hems shift how a body moves through space, borrowing gravity and grace from another time. But they also speak to the now. Whether or not designers are consciously invoking the Hemline Index, the theory is circulating again: when economic optimism falters, hemlines tend to fall. It’s not a fixed law, but a cultural reflex — part superstition, part strategic adaptation.</div><div><br></div><div>Fashion, after all, doesn’t just design for the eye. It sells mood. And moods follow money. When the global economy tightens, so does clothing. Volume contracts, embellishment disappears, colour drains from collections. But this isn’t about austerity dressing in the literal sense. It’s about risk aversion not only for the customer but also for the industry itself. In times of volatility, fashion shifts from experiment to assurance.</div><div><br></div><div>That instinct was everywhere this season. At The Row, tailoring came razor-sharp but nearly invisible in palette; quiet dominance cut in bone, slate and charcoal. Max Mara offered coats like architecture, built to last, emotionally and structurally. Meanwhile, at Bottega Veneta, Matthieu Blazy’s show felt less like a crescendo than a consolidation — rich in craftsmanship, but intentionally subdued. Even Miu Miu, usually playful and referential, leaned into a pragmatic softness, grounding its silhouettes in something close to subtlety.</div><div><br></div><div>These are not the clothes of escapism. They’re tools — functional, precise, defensive. Brands, aware of the uncertainty ahead, are simplifying, streamlining, banking on the familiar. Reducing not just to reduce, but to retain. Creative risk gets postponed in favour of pieces that will sell, that won’t age quickly, that justify their price in utility rather than novelty. Safety is no longer passive; it’s premium. It signals durability, wisdom, longevity. It satisfies investors as much as it soothes consumers. And in that equation, style becomes not just a reflection of fear, but a form of economic logic.</div><div><br></div><div>What we’re seeing isn’t creative fatigue. It’s creative hedging. A question with high stakes arises: who can afford to make a mistake?</div><div><br></div></div><hr><div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">The Price Of Discretion</span></div><div><br></div><div>Gone are the logos, the monograms, the maximalist gestures. In their place: silence, structure, surface. A thirty-thousand-euro coat that only a handful of people will recognise. A handbag that says nothing — unless you know exactly what to hear. This is the new code: if you know, you know.</div><div><br></div><div>Quiet luxury may look subdued, but it’s anything but modest. It requires fluency in materials, tailoring, context. It’s a language of access disguised as simplicity. The stitches matter. The weight of a fabric matters. The absence of flash becomes the ultimate flex. In the wake of economic hesitation, wealth no longer flaunts itself — it hides in plain sight.</div><div><br></div><div>This discretion is not democratic. When the reductionist aesthetic becomes one of power, invisibility becomes its own form of privilege. To disappear, you first have to be seen. The risk of being mistaken for “ordinary” only exists when you’ve already established status. For the rest, visibility is still a currency.</div><div><br></div><div>Fashion knows how to monetise a mood. In 2025, simplicity has become aspirational. Understatement, a commodity. The less a garment reveals, the more power it signals. And silence? That’s the luxury item of the moment — expensive, exclusive, and instantly recognisable to those who matter.</div><div><br></div></div><hr><div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Soft Armour</span></span></div><div><br></div><div>Not every outfit is designed to impress. Some are built to protect. In our erratic present, the act of getting dressed becomes less about visibility and more about resilience. There’s comfort in repetition — the familiar cut of a coat, the dependable weight of wool, the daily ritual of neutral tones layered just right. These garments don't demand attention. They offer stability. They ground the body in structure when the world around it feels increasingly fluid.</div><div><br></div><div>This is fashion as a kind of fortification — not loud, but deliberate. The appeal lies in its tactility, its precision. Sharp shoulders, deep pockets, substantial fabrics: pieces that don't just clothe, but hold. There’s reassurance in their weight, clarity in their construction. They promise not transformation, but containment. In their silence, they speak of control. Of preservation. Of a desire not to dazzle, but to endure.</div><div><br></div><div>Dressing like this isn’t about detachment — it’s about boundaries. A way to maintain shape, to draw a line between self and chaos. Clothes become soft armour, emotional scaffolding, daily proof that even in disorder, we can assemble ourselves. And that, too, is a kind of power.</div><div><br></div><div>Because if fashion has always been about performance, 2025 reminds us it can also be about protection. About the dignity of holding back. The politics of looking composed. The strength in not shouting. And perhaps that’s the real signal of this season — a refusal to collapse.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>


                                    
                                    
                                    Las faldas se alargan. Los tejidos se vuelven más gruesos. Los colores —gris pizarra, arena, crudo— rebajan su intensidad. Los logotipos desaparecen, las siluetas se repiten y el lujo, antes teatral y estridente, hoy susurra en cachemir y lana de camello. A simple vista, podría parecer un cambio de temporada. Pero el estilo rara vez evoluciona aisladamente.<div><br>
                                                                    <div></div><div>De Londres a Milán, las pasarelas de otoño/invierno 2025 han hecho de la prudencia un patrón. Paletas neutras, sastrería precisa, ornamentación mínima… todo parece susurrar: “No destaques, mantén la compostura”. Una elegancia sutil se impone, reflejando un ánimo social más amplio.</div><div><br></div><div>No es la primera vez que asistimos a este fenómeno. A lo largo de la historia, la moda ha respondido —de manera consciente o no— a las turbulencias económicas. Los dobladillos cayeron durante la Gran Depresión. El minimalismo resurgió tras la crisis de 2008. Tampoco es una excepción el color de pelo: los “rubios de recesión” vuelven a copar los titulares, apostando por tonos apagados frente al glamur más estridente.</div><div><br></div><div>El paradigma trasciende la estética: se trata de un reflejo de la incertidumbre, de un instinto colectivo de vestirse con contención o con ánimo de protección. La ropa, a menudo considerada como una frivolidad, se convierte en una moneda emocional en momentos como el actual. Y en 2025, nos habla alto y claro. En voz baja, pero con determinación.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Signos de los tiempos</span></span></div><div><br></div><div>Las prendas no solo cubren más pierna: ralentizan el paso. Los largos reformulan cómo se mueve el cuerpo en el espacio, otorgándole la gravedad y la gracia de otra época. Pero también hablan del ahora. Aunque los diseñadores no invoquen conscientemente el Hemline Index, la teoría vuelve a circular: cuando el optimismo económico flaquea, las faldas tienden a caer. No es una ley inmutable, pero sí un reflejo cultural —en parte superstición, en parte adaptación estratégica.</div><div><br></div><div>La moda, al fin y al cabo, no diseña solo para el ojo. Vende estados de ánimo. Y los estados de ánimo siguen al dinero. Cuando la economía global se resiente, también lo hace el vestuario. Los volúmenes se contraen, la ornamentación desaparece, el color se escurre entre las colecciones. Pero no hablamos de un regreso literal a la austeridad. Es más bien una aversión al riesgo, tanto por parte de los consumidores como de la propia industria. En tiempos de volatilidad, la moda se repliega del experimento a la certidumbre.</div><div><br></div><div>Ese instinto fue tendencia esta temporada. En The Row, la sastrería era afilada aunque casi invisible en su paleta, con un protagonismo silencioso del hueso y el carbón. Max Mara presentó abrigos que actuaban como arquitecturas, construidos para durar emocional y estructuralmente. Mientras tanto, en Bottega Veneta, el desfile de Matthieu Blazy se sintió menos como un clímax que como una consolidación: artesanía exquisita, pero deliberadamente contenida. Incluso Miu Miu, habitualmente juguetona y referencial, abrazó una suavidad pragmática, acercando sus siluetas a lo sobrio.</div><div><br></div><div>Estas no son prendas de evasión, sino herramientas —funcionales, precisas, defensivas. Las marcas, conscientes de la incerteza que se avecina, apuestan por simplificar, depurar, confiar en lo familiar. Reducen, no por reducir, sino para retener. El riesgo creativo se pospone en favor de piezas que venderán, que no envejecerán rápido, que justificarán su precio por su utilidad más que por su novedad. La seguridad ya no es pasiva, es un activo premium; es señal de durabilidad, sabiduría, longevidad, satisfaciendo a inversores y tranquilizando a consumidores. Y en esa ecuación, el estilo deja de ser solo un reflejo del miedo para convertirse en una estrategia económica.</div><div><br></div><div>En un presente de cobertura —que no tedio— creativa, surge la pregunta: ¿quién puede permitirse equivocarse?</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">El precio de la discreción</span></span></div><div><br></div><div>Adiós a los logos, a los monogramas, a los gestos maximalistas. En su lugar: silencio, estructura, superficie. Un abrigo de treinta mil euros que solo unos pocos sabrán reconocer. Un bolso que no dice nada, salvo para quien sabe exactamente qué escuchar. Este es el nuevo código: “si lo sabes, lo sabes” (iykyk).</div><div><br></div><div>El lujo silencioso puede parecer contenido, pero dista mucho de ser modesto, pues exige fluidez en materiales, en costura, en contexto. Es un lenguaje de acceso disfrazado de simplicidad. Cada puntada cuenta. Cada gramo de tela tiene su peso. La ausencia de ostentación se convierte en la mayor declaración de intenciones. Ante la duda económica, la riqueza ya no se exhibe, sino que se camufla a plena vista.</div><div><br></div><div>Esta discreción no es democrática. Cuando la estética de la reducción se convierte en símbolo de poder, la invisibilidad se transforma en un privilegio. Para desaparecer, primero hay que haber sido visto. El riesgo de parecer “común” únicamente existe para quien ya ha establecido su estatus. Para los demás, la visibilidad sigue siendo moneda de cambio.</div><div><br></div><div>La moda sabe cómo rentabilizar un estado de ánimo. En 2025, la sencillez es aspiracional. El gesto contenido, una mercancía. Cuanto menos revela una prenda, más poder transmite. ¿El silencio? El verdadero objeto de lujo del momento: caro, exclusivo y reconocible solo para quienes importan.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Armadura blanda</span></span></div><div><br></div><div>No todos los outfits están pensados para impresionar —algunos, lo están para proteger. En un presente errático, vestirse deja de ser un acto de visibilidad para convertirse en uno de resistencia. Hay consuelo en la repetición: el corte familiar de un abrigo, el peso confiable de la lana, el ritual diario de superponer tonos neutros. Estas prendas no piden atención, sino que ofrecen estabilidad, anclando el cuerpo en la estructura cuando el mundo que lo rodea se vuelve cada vez más líquido.</div><div><br></div><div>La moda como fortificación deliberada. Su atractivo radica en lo táctil, en la precisión. Hombros marcados, bolsillos profundos, tejidos robustos: piezas que visten, y sostienen. Hay tranquilidad en su peso, claridad en su construcción. No prometen transformación, sino contención. En su silencio, hablan de autocontrol. De preservación. De un deseo no de deslumbrar, sino de resistir.</div><div><br></div><div>Vestirse así no es desconexión: es trazar fronteras. Una manera de mantener la forma, de dibujar un límite entre uno mismo y el caos. Las prendas se convierten en armadura blanda, en andamio emocional, en prueba cotidiana de que, incluso en el desorden, podemos recomponernos. Y eso, también, es una forma de poder.</div><div><br></div><div>Porque si la moda siempre ha sido una cuestión de performance, 2025 nos recuerda que también puede ser protección. De la dignidad de contenerse. De la política de mantenerse fir. De la fuerza de no gritar. Quizá ese sea el verdadero mensaje de esta temporada: la negativa a derrumbarse.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>                                                                                                

Vestirse para la recesión: lo que la moda nos dice sobre la economía

Dressing for Downturns: What Fashion Tells Us About the Economy

<div><span style="font-family: &quot;Helvetica Neue&quot;, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 30px; font-weight: bold;">Why Women Still Struggle to Lead</span><br></div><div><span style="font-size: 30px; font-weight: bold;"><br></span></div><span style="font-size: 20px; font-weight: bold;"><div><span style="font-size: 20px; font-weight: bold;"><br></span></div>The Illusion of Progress</span><div><span style="font-size: 20px; font-weight: 700;"><br></span>
                                                                    <div>Fashion sells itself as a force of transformation. It thrives on the promise of reinvention, of challenging norms, of shattering conventions to pave the way for the new. It is where gender fluidity has found a global stage, where rebellion is stitched into the seams, where power is articulated through the language of clothing. And yet, in the very heart of this industry—at the highest level of decision-making—the narrative remains stagnant.</div><div><br></div><div>As another International Women’s Day arrives, a time to look at how far we’ve come and the road ahead, the luxury fashion industry presents an unsettling contradiction. The designers shaping the future of women’s fashion are, for the most part, not women. The numbers tell a story that can’t be ignored: of the 35 most influential fashion houses, only ten are led by women. Yet, when they do step into leadership, they enter a battlefield where expectations are sky-high, and tolerance is halved.</div><div><br></div><div>Givenchy’s newly appointed creative director, <span style="font-weight: bold;">Sarah Burton</span>, spent over 20 years defining the identity of Alexander McQueen, but when she exited in 2023, her replacement was yet another man. Louise Trotter, now taking the reins at Bottega Veneta, follows in the footsteps of men whose names are synonymous with power in fashion. Meanwhile, <span style="font-weight: bold;">Phoebe Philo</span>, whose tenure at Céline redefined modern luxury and inspired a generation, chose to step away from the corporate fashion machine to launch her own independent label. And while <span style="font-weight: bold;">Veronica Leoni</span>’s arrival at Calvin Klein signals a shift, she is still one of the few women who have broken into a domain that persists as hypermasculinized at the top.</div></div><hr><div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 20px;">The “Boy Genius” Myth</span></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 20px;"><br></span></div><div>Luxury fashion has long been obsessed with the idea of the lone male genius—the enfant terrible whose singular vision is destined to define an era. From Yves Saint Laurent to Alexander McQueen, the narrative of fashion’s greatest disruptors has been consistently male, reinforcing a cycle where power is apparently passed down within an insular, self-perpetuating hierarchy.</div><div><br></div><div>Women, however, are rarely given the same mythical status. Despite the seismic influence of <span style="font-weight: bold;">Coco Chanel</span>, their leadership is met with skepticism, their successes credited to the teams around them rather than their own creative force.</div><div><br></div><div>Meanwhile, luxury fashion continues its so-called game of “musical chairs”, cycling through the same group of white male creative directors between major houses. There is a sense that designers who have yet to prove themselves as true visionaries are given the benefit of the doubt, while their female counterparts must validate their worth at every turn.</div><div><br></div></div><div><br></div><div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 20px;">Barriers Beyond Talent</span></div><div><br></div><div>The issue is not about skill. It is about who is granted access. The road to power—whether in fashion or beyond—is not built solely on creative brilliance but on connections, privilege, and deeply ingrained biases. Top-tier fashion houses still favor internal promotions, yet when decision-makers are already overwhelmingly male, this only serves to reinforce the existing imbalance.</div><div><br></div><div>Economic conservatism has supposedly further cemented this pattern. When faced with uncertainty, brands default to what they perceive as a risk-free choice, which often means appointing yet another man. But this logic is flawed. Studies consistently show that companies with diverse leadership are not only more innovative but more profitable. The ongoing success of Prada, Hermès, and Versace, all led by women, proves that female-led brands are not a liability but an advantage.</div><div><br></div><div>This contradiction becomes even more evident in an industry where women dominate the runways—not only in visibility but also in earnings. Female models consistently out-earn their male counterparts, a rare exception in the gender pay gap.</div></div><hr><div><div><span style="font-size: 20px; font-weight: bold;">Imagining a Different Future</span></div><div><br></div><div>International Women’s Day is not just about acknowledgement but about dismantling structures that keep women in the background while celebrating their undeniable contributions to every aspect of culture. What would fashion look like if more women were in charge? If the industry actually reflected the people who wear its designs, who fuel its economy, who have shaped its history?</div><div><br></div><div>The answer isn’t speculative: it’s already been glimpsed in the work of the women who have fought to carve out space for themselves. Gabriela Hearst at Chloé introduced a forward-thinking approach that rewrote the rulebook on how high fashion can engage with environmental responsibility. Stella McCartney, a pioneer in conscious luxury, built a global brand proving that ethics and innovation can be seamlessly interwoven without compromising desirability. The Row, founded by Mary-Kate and Ashley Olsen, has cultivated a cult following precisely because it understands women’s lives in a way that goes beyond aesthetics. Sarah Burton’s legacy at McQueen extends far beyond couture—it is about craftsmanship, storytelling, and the refusal to conform to predefined notions of success.</div><div><br></div></div><div><div><br></div></div><hr><div><div><br></div><div>We would like to believe that to envision a more equitable future for fashion is not to propose a utopia. It is to demand that an industry so obsessed with progress finally apply that ethos to itself.</div><div><br></div><div>Fashion has always shaped the way we see the world. It has the power to challenge, to subvert, to redefine. The only thing radical now would be to accept the status quo as unchangeable.</div><div><br></div><div>It isn’t. And it never was.</div></div><div><div><br></div></div>


                                    
                                    
                                    
                                    
                                    
                                    
                                    
                                    
                                    
                                    
                                    <div><span style="font-size: 30px; font-weight: bold; font-family: &quot;Helvetica Neue&quot;, Helvetica, Arial, sans-serif;">Por qué las mujeres siguen luchando por el liderazgo</span><br></div><div><span style="font-size: 30px; font-weight: bold;"><br></span></div><div><span style="font-size: 30px;"><br></span></div><span style="font-size: 20px; font-weight: bold;">La ilusión de progreso</span><div><br>
                                                                    <div>La moda es un revulsivo para la transformación. Con ella, la promesa de la reinvención, de desafiar normas y derribar convenciones para abrir nuevos horizontes. Es ahí donde la fluidez de género ha encontrado un escenario abierto al mundo, la rebeldía se cose en las costuras y donde el poder se articula a través del lenguaje de las prendas. Y, sin embargo, en el corazón de esta industria, allí donde se toman las decisiones de mayor nivel, la historia tropieza con el inmovilismo.</div><div><br></div><div>A las puertas de un nuevo Día Internacional de la Mujer, un momento para observar el camino recorrido y el que todavía queda por andar, la moda de lujo pone sobre la mesa una contradicción inquietante. Quienes definen el futuro de la moda femenina no son, en su gran mayoría, mujeres. Las cifras hablan: de las 35 firmas de moda más influyentes, únicamente diez están lideradas por mujeres. Y cuando son ellas las que logran ostentar estos puestos, se enfrentan a un campo de batalla en que las expectaciones se multiplican y la tolerancia se reduce a la mitad.</div><div><br></div><div>La recién nombrada directora creativa de Givenchy, <span style="font-weight: bold;">Sarah Burton</span>, pasó más de 20 años definiendo la identidad de Alexander McQueen, pero cuando dejó el cargo en 2023, fue, quien la reemplazó fue, una vez más, un hombre. Louise Trotter, ahora al frente de Bottega Veneta, sigue la estela de una lista de nombres masculinos, todos ellos sinónimos de poder en la moda. Antes, <span style="font-weight: bold;">Phoebe Philo</span>, cuya etapa en Céline redefinió la moda de lujo e inspiró a toda una generación, decidió dar un paso atrás y saltar del engranaje corporativo en marcha para lanzar su propia firma independiente. Y aunque la llegada de <span style="font-weight: bold;">Veronica Leoni</span> a Calvin Klein marca un avance, es una de las pocas mujeres en romper con un sistema hipermasculinizado.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 20px;">El mito del genio</span></div><div><br></div><div>Durante décadas, la moda de lujo ha sido presa de la obsesión por el genio masculino solitario: una suerte de enfant terrible cuya visión singular parece estar destinada a definir una era. Desde Yves Saint Laurent a Alexander McQueen, la narrativa de los grandes disruptores de la moda ha sido predominantemente masculina, perpetuando un ciclo en el que el poder se transmite, aparentemente, dentro de una jerarquía cerrada y en eterna retroalimentación.</div><div><br></div><div>Las mujeres, en cambio, rara vez reciben ese estatus mítico. A pesar de la influencia sísmica de <span style="font-weight: bold;">Coco Chanel</span>, su liderazgo es observado desde el escepticismo, a menudo atribuyendo su éxito a sus equipos antes que a su propia fuerza creativa.</div><div><br></div><div>Al mismo tiempo, la moda de lujo prosigue en su ya conocido juego de las “sillas musicales”, danzando alrededor del mismo grupo de directores creativos para ocupar las posiciones más codiciadas. Da la sensación de que los diseñadores que aún no han probado ser auténticos visionarios reciben el beneficio de la duda, mientras que sus homólogas deben acreditar su valía en cada paso, sin excepción.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 20px;">Barreras más allá del talento</span></div><div><br></div><div>No es cuestión de savoir faire, sino de quién tiene acceso al poder. Alcanzar la cima, ya sea en la moda en concreto o en la vida común en general, no solo depende de una creatividad brillante, sino de contactos, privilegios y sesgos profundamente enraizados. Las maisons todavía apuestan por promociones internas, y el sistema no hace más que alimentar el desequilibrio actual al recaer las decisiones en manos de pocos—mayoritariamente, hombres.</div><div><br></div><div>El conservadurismo económico ha sumado un obstáculo a la ecuación. En tiempos de incertidumbre, las marcas tienden a recurrir a lo que perciben como una apuesta segura, lo que suele traducirse en volver a nombrar a un hombre. Pero los cimientos de esta lógica tambalean: numerosos estudios han demostrado que las empresas con liderazgo diverso no solo son más innovadoras, sino también más rentables. El éxito continuado de Prada, Hermès y Versace, todas pilotadas por mujeres, constata que las firmas dirigidas por ellas son una ventaja competitiva.</div><div><br></div><div>Una contradicción que se hace aún más evidente en un espacio en que las mujeres dominan las pasarelas, tanto en visibilidad como en ingresos. Las modelos ganan de manera sistemática más que sus compañeros masculinos, una rara avis en la brecha salarial de género.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 20px;">Imaginando un futuro diferente</span></div><div><br></div><div>El 8M no debería ser únicamente un reconocimiento, sino una oportunidad para desmantelar las estructuras que históricamente han relegado a las mujeres a un segundo plano y para celebrar sus innegables contribuciones en el ámbito de la cultura. ¿Qué sería la moda si más mujeres estuvieran al mando? ¿Y si la industria representara realmente a quienes visten sus diseños, sostienen su economía y definen lo que en esencia es hoy?</div><div><br></div><div>La respuesta no es una conjetura: ya la hemos vislumbrado en el trabajo de algunas que han luchado por hacerse un hueco. <span style="font-weight: bold;">Gabriela Hearst</span>, al frente de Chloé, ha impulsado una visión de futuro que ha reformulado las reglas sobre cómo la alta moda puede comprometerse con la responsabilidad ambiental. Stella McCartney, pionera del lujo consciente, ha construido una firma global que demuestra que ética e innovación pueden convivir junto al atractivo. The Row, fundada por <span style="font-weight: bold;">Mary-Kate y Ashley Olsen</span>, ha cultivado un culto en torno a su marca precisamente porque entiende la vida de las mujeres más allá de la estética. El legado de <span style="font-weight: bold;">Sarah Burton</span> en McQueen supera la alta cultura; su obra es artesanía, storytelling y una negativa a encajar en nociones predefinidas de éxito.</div><div><br></div><div>Nos gustaría pensar que imaginar un futuro más equitativo para la moda no es un acto de idealismo, sino una exigencia para que una industria obsesionada con el progreso rinda cuentas con ese ethos.</div><div><br></div><div>La moda siempre ha definido la manera en que vemos el mundo. Tiene el poder de desafiar, de subvertir, de redefinir. Lo único verdaderamente radical ahora sería aceptar el statu quo como inmutable.</div><div><br></div><div>No lo es. Y nunca lo fue.</div><div><br></div></div>                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                

El techo de cristal en la moda

Fashion’s Glass Ceiling

<span style="font-size: 20px;">Fashion, a link between style and social advancement</span>
                                                                    <div><br></div><div>We’ve witnessed it: fashion is a means to express style or identity and a powerful tool to promote social and political change. Even if, over the ages, fashion has been accused (sometimes rightly so) of being superficial, designers and brands have found it an effective channel for speaking out against injustice, defending human rights and supporting global movements – think haircuts to challenge authority, fashion shows designed to highlight essential causes and open debates about patriarchy and binary society. Fashion has been, is, and will be a tool, and like any tool, it can be used to build, advance, or destroy; that is why it is necessary to stop for a second and think about its social importance.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">Fashion as a language of social struggles</span></div><div><br></div><div>Throughout history, different styles have marked political stances or cultural movements: punk as a symbol of rebellion, hippie clothes as a cry for peace, normcore optimisation of the 2000s, or the power suits of the 1980s to underline women's advancement in the workplace. Today, fashion is a sophisticated means of activism, telling stories that inspire and educate through garments or accessories and using the body as a medium of self-expression and vindication.</div><div><br></div><div>One of the areas where it’s had a significant impact is feminism. In its 2017 runway show, for example, Dior presented T-shirts that read ‘We Should All Be Feminists’, a direct message taken from Chimamanda Ngozi Adichie's essay. These garments not only had a global impact but also redirected profits to organisations that support gender equality. It was the beginning of the third wave of feminism. While fashion turned a profit in sales, it (also) elevated the movement to something aspirational and desirable, easing the general public into conversations previously restricted to certain spheres. Ultimately, what mattered was that everyone began to realise that equality was for all.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">Fashion and LGTBIQ+ rights</span></div><div><br></div><div>The LGTBIQ+ collective has been one of the great forerunners of fashion, with its members being key in advancing many trends. Design geniuses such as Vivienne Westwood, Mugler, Walter van Beirendonck, Alexander McQueen, Christopher Bailey for Burberry, Raf Simmons or Thom Browne have created collections where everything queer is made visible and celebrated; from giving space to oppressed collectives to blurring the lines between genders by changing the traditional uses of skirts and suits, they have been the spearhead of many demands that would end up permeating society.&nbsp;</div><div><br></div><div>Let's go further into the struggle and activism. There’ve been iconic characters who have changed entire paradigms, sometimes by exposing themselves and moving the boundaries between aesthetics, genders and norms imposed by the hegemonic culture. Hunter Schafer, with her role in Euphoria and her campaigns for Prada or her appearance in the Pirelli calendar or Alex Consani winning the Model of the Year award at only 21 years old, have been, among many other personalities, examples of how reality is changing to be more inclusive thanks to the relentless work of many. They have given their all to pave the way for others who will come after them, in the same way that pioneers such as April Ashley, Tracey Norman, Teri Toye or Caroline Cossey did. As JW Anderson says in an interview with Vogue: ‘Fashion has to get to a point where we stop having to talk about gender’.</div><div><br></div><div>During Pride Month, many brands simply put up the LGTBIQ+ flag as their profile picture to jump on the bandwagon and not appear insensitive. However, many other brands launch special editions to raise funds for organisations that fight discrimination and support the community. For instance, Savage X Fenty, singer Rihanna's lingerie brand, challenges traditional gender norms and celebrates bodies of all types. It’s taken time, but now fashion is looking for unexpected diversity.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">Environmental activism on the catwalk</span></div><div><br></div><div>Sustainability has also become another social initiative in which fashion has much to say. Five years ago, the biggest names in the fashion industry (Adidas, Burberry, Chanel, H&amp;M, Inditex, Nike, Prada, Kering...) signed a document called the ‘Fashion Pact’ at a G7 summit in Biarritz, the central theme of which was climate change. There, they committed themselves to reducing their harmful impact on the environment and greenhouse gas emissions; it would be interesting to know, five years later, how they have managed to do so or if they are on the right track, as they promised before the pandemic.&nbsp;</div><div><br></div><div>For example, designers such as Stella McCartney have committed themselves to sustainable feminism, promoting equality through ethical fashion and environmental responsibility, demonstrating that women's rights are intrinsically linked to the struggle for a fairer world. Undeniably, the commitment to a more sustainable business model is something all firms are thinking about, particularly when, at times and in certain brands, fashion involves an unfair exploitation of natural and human resources. No one seems to have the perfect solution. Ending the production of collections that become obsolete every two weeks? Sanctioning those companies that do not comply with the minimum requirements of sustainability? Making consumers aware of the actual practices of each brand? The options are many and varied.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">Inspiration for change</span></div><div><br></div><div>We have always dressed to reflect who we are and what we think; from cultural symbols to taking off our bras for women's freedom, from the upper class' clothes to the working class' overalls, clothes have never been just ‘clothes’. Fashion brings up issues important to society; it brings them to the table by uniting people around them through a universal language, i.e. aesthetics. Garments are not only something to crave after but also canvases for ideas, grievances and politics; whether through feminist messages, LGTBIQ+ inclusivity, sustainability or support for local causes, fashion is proving that a simple dress can be the start of a revolution.&nbsp;</div><div><br></div>


                                    <span style="font-size: 20px;">La moda, un vínculo entre estilo y avance social</span><div><br>
                                                                    <div>Hemos sido testigos: la moda no es solo un medio para expresar estilo o identidad, sino también una poderosa herramienta para promover cambios sociales y políticos. Aunque durante las épocas ha estado acusada (a veces con acierto) de superficial, desde cortes de pelo para desafiar a la autoridad hasta desfiles diseñados para visibilizar causas importantes y abrir debates sobre el patriarcado y la sociedad binaria, diseñadores y marcas han encontrado en ella un canal efectivo para alzar la voz frente a las injusticias, defender derechos humanos y apoyar movimientos globales. La moda ha sido, es y será una herramienta y, como toda herramienta, puede ser usada para construir y avanzar o para destruir; por eso es necesario parar un segundo y pensar sobre su importancia social.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">La moda como lenguaje de las luchas sociales</span></div><div><br></div><div>En la historia, diferentes estilos han marcado posturas políticas o movimientos culturales: el punk como símbolo de rebeldía, la ropa hippie como un grito por la paz, el normcore como la optimización dosmilera o los power suits de los 80 para subrayar el avance femenino en el ámbito laboral. Hoy, la moda se ha sofisticado como herramienta de activismo, contando historias que inspiran y educan, pero no solo a través de prendas o accesorios, sino también utilizando el propio cuerpo como lugar de autoexpresión y reivindicación.</div><div><br></div><div>Una de las áreas donde ha tenido un impacto significativo es el feminismo. En su desfile de 2017, por ejemplo, Dior presentó camisetas con la frase "We Should All Be Feminists" (Todos deberíamos ser feministas), un mensaje directo tomado del ensayo de Chimamanda Ngozi Adichie. Estas prendas no solo tuvieron una repercusión global, sino que también redirigieron las ganancias hacia organizaciones que apoyan la igualdad de género. Era el comienzo de la tercera ola del feminismo y, aunque la moda la convirtiera en algo con lo que (también) poder vender camisetas, elevó a su vez el movimiento a algo aspiracional y deseable, acercando al público general a unas conversaciones antes restringidas a ciertas esferas. Al final, lo importante era que el público general empezara a darse cuenta de que la igualdad era cosa de todas las personas.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">La moda y los derechos LGTBIQ+</span></div><div><br></div><div>El colectivo LGTBIQ+ ha sido uno de los grandes precursores de la moda, siendo sus integrantes las personas clave en el avance de muchas tendencias. Genios del diseño como Vivienne Westwood, Mugler, Walter van Beirendonck, Alexander McQueen, Christopher Bailey para Burberry, Raf Simmons o Thom Browne han creado colecciones donde se visibiliza y se celebra todo lo queer; desde dar espacios a colectivos oprimidos hasta desdibujar las líneas entre los géneros cambiando los usos tradicionales de faldas y trajes, han sido la punta de lanza de muchas reivindicaciones que acabarían calando en sociedad.&nbsp;</div><div><br></div><div>Si vamos más allá en la lucha y el activismo, ha habido personajes icónicos que, a costa de exponerse y mover las fronteras entre estéticas, géneros y normas impuestas por lo hegemónico, han cambiado paradigmas enteros. Hunter Schafer con su papel en Euphoria y sus campañas para Prada o su aparición en el calendario Pirelli o Alex Consani ganando el premio a Modelo del Año con solo 21 años han sido, entre muchas otras personalidades, exponentes de que la realidad está cambiando para ser más inclusiva gracias al trabajo incesante de muchas. Han puesto toda su persona para abrir el camino a otras que vendrán después, de la misma manera que hicieron pioneras como April Ashley, Tracey Norman, Teri Toye o Caroline Cossey. Como dice JW Anderson en una entrevista a Vogue: ““La moda debe llegar a un punto en el que dejemos de tener que hablar del género”.</div><div><br></div><div>Durante el Mes del Orgullo, hay muchas marcas que se ponen la bandera LGTBIQ+ como foto de perfil simplemente para subirse al carro y no parecer insensibles, pero muchas otras marcas lanzan ediciones especiales para recaudar fondos destinados a organizaciones que luchan contra la discriminación y apoyan a la comunidad. Otro ejemplo es el de Savage X Fenty, la marca de lencería de la cantante Rihanna, que desafía las normas tradicionales de género y celebra cuerpos de todo tipo. Ha costado, pero ahora en la moda se busca una diversidad que antes no se esperaba.</div><div>El activismo ambiental en las pasarelas</div><div><br></div><div>La sostenibilidad también se ha convertido en otra iniciativa social en la que la moda tiene mucho que decir. Hace cinco años, los grandes nombres de la industria de la moda más conocidos (Adidas, Burberry, Chanel, H&amp;M, Inditex, Nike, Prada, Kering…) firmaron un documento llamado “Pacto de la Moda” en una cumbre del G7 celebrada en Biarritz cuyo tema central era el cambio climático. Ahí se comprometieron a disminuir su impacto nocivo en el entorno y a reducir sus emisiones de gases efecto invernadero; sería interesante conocer, cinco años más tarde, cómo han logrado hacerlo o si están en el camino correcto, como prometieron antes de la pandemia.&nbsp;</div><div>Diseñadoras como Stella McCartney, por ejemplo, han apostado por el feminismo sostenible, promoviendo la igualdad a través de la moda ética y la responsabilidad medioambiental, demostrando que los derechos de las mujeres están intrínsecamente ligados a la lucha por un mundo más justo. Es innegable que la apuesta por un modelo de negocio más sostenible para una línea de producción que, a veces y en ciertas marcas, supone una explotación injusta de los recursos naturales y humanos, es algo en boca de todas las firmas, aunque nadie tenga la tecla perfecta para dar con las solución. ¿Terminar con la producción de colecciones que se quedan obsoletas cada dos semanas? ¿Sancionar a aquellas empresas que no cumplan con los requisitos mínimos de la sostenibilidad? ¿Concienciar a los consumidores de las prácticas reales de cada marca? Las opciones son varias y diversas.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 20px;">Inspiración para el cambio</span></div><div><br></div><div>Nos hemos vestido para reflejar lo que somos y lo que pensamos desde siempre; desde símbolos culturales hasta quitarse el sujetador para reivindicar la libertad femenina, desde la ropa de la gente de clase alta a los monos de trabajo de la clase trabajadora, la ropa nunca ha sido solo “ropa”. La moda saca a relucir temas que son importantes para la sociedad; los pone sobre la mesa uniendo a las personas en torno a ellos mediante un lenguaje universal, es decir, la estética. Las prendas no solo son objetos de deseo, sino también lienzos donde se plasman ideas, reclamos y política; ya sea a través de mensajes feministas, inclusividad LGTBIQ+, sostenibilidad o apoyo a causas locales, la moda está demostrando que un simple vestido puede ser el comienzo de una revolución.&nbsp;</div><div><br></div></div>                                