<p>
                                Size doesn't matter, they told us, as they showed women with girl bodies and men sculpted by hours in the gym. They told us that it doesn't matter if you are a man or a woman, while the management, command, and decision-making positions over their bodies and ours were taken over by them. While the invisible them had neither space nor security in society. They said it doesn't matter where you come from, but they used racialised people to fill quotas as if they were cute removable pieces to utilise at will. Things are better than they used to be, they tried to convince us so that everything would continue the same. Beauty is on the inside. And it wasn't.</p><p><br></p><p></p><hr><p></p><div>We are going to do things differently now. At UNO, we are going to be consistent; we are changing to improve, evolving to include, and we will put those bodies that were previously left aside in front of the camera. We will enlarge and, above all, redefine the concept of what is beautiful.</div><div>We will be role models.</div><hr><div><img src="https://mediaslide-europe.storage.googleapis.com/uno/news_pictures/2022/12/large-1671455305-3ec66ae1ac794215c47414c70adf4181.jpg"><br></div><div><span style="font-family: myfont;">&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;</span></div><p></p>


                                
                                <div>La talla no importa, nos decían mientras nos mostraban mujeres con cuerpos de niñas y hombres esculpidos por horas de gimnasio. No importa si eres hombre o mujer, nos contaban mientras los puestos dirección, de mando, de decisión sobre sus cuerpos y los nuestros estaban copados por ellos. Mientras les elles invisibles no tenían ni espacio, ni seguridad en la sociedad. Da igual de dónde vengas, pero utilizaban a las personas racializadas para llenar cupos, como si fueran simpáticas piezas de quita y pon para usar a su antojo. Estamos mucho mejor que antes, nos convencían para que todo siguiera como siempre. La belleza está en el interior. Y no lo estaba.</div><hr><div><br></div><div><br></div><div>Vamos a hacer las cosas de forma distinta ahora. En UNO vamos a ser consecuentes; vamos a cambiar para mejorar, evolucionar para incluir, vamos a poner delante de la cámara aquellos cuerpos que antes dejábamos de lado. Vamos a agrandar y, sobre todo, a redefinir el concepto de lo que es bello.&nbsp;</div><div>Vamos a ser un modelo a seguir.&nbsp;</div><div><br></div><hr><div><img src="https://mediaslide-europe.storage.googleapis.com/uno/news_pictures/2022/12/large-1671455305-3ec66ae1ac794215c47414c70adf4181.jpg"><br></div><div><br></div>                                                        

We care

UNO MODELS MANIFEST

25 November. A date that seeks neither comfort nor ceremony: it demands memory. The International Day for the Elimination of Violence against Women was created to honour Patria, Minerva and María Teresa Mirabal, activists brutally murdered in 1960 under the dictatorship of Rafael Trujillo in the Dominican Republic. Their deaths turned 25N into a global outcry against all forms of oppression used to discipline, correct or silence women.<div><br>
                                                                    <div></div><div>More than sixty years later, the furore has not softened. According to UN Women, around one in three women worldwide has experienced physical or sexual violence in her lifetime. Millions endure threats, coercion, digital harassment and manifestations of psychological abuse, leaving no bruises but creating deep and irreparable fractures. In 2023, over 51,000 women were killed by a partner or family member — an average of 140 femicides every day. Violence persists, mutates and moves from domestic spaces to screens, from the visible to the quiet.</div><div><br></div><div>Yet harm is not only physical. It lives in the gaze that scrutinises. In the guilt placed on them. In the question that should never be asked —“what were you wearing?”— and in the suspicion permanently directed at the same bodies. It operates in the everyday, the intimate, the symbolic.</div><div><br></div><div>This is why we write today. Because 25N is not a tribute but a reminder: aggression rarely begins with the blow. It takes root much earlier in how a woman is observed, judged and controlled.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">Violence That Leaves No Mark, Yet Leaves a Trace</span></div><div><br></div><div>Invisible violence often shapes a woman’s entire life. It does not make headlines or appear in statistics; it slips into daily gestures, into small decisions taken to dodge a normalised threat: changing clothes before going out, sending a message upon arriving home, choosing well-lit routes, avoiding certain places, measuring every word. It is not irrational fear — it is constant, forced adaptation to an environment that promises punishment.</div><div><br></div><div>Subtle, insidious, suffocating. All this patriarchal logic is rooted in one premise: a woman’s body is available to be questioned, surveyed, disciplined.</div><div><br></div><div>This is where fashion enters unwittingly, because judgement always starts with what is perceptible to the eye. Clothing becomes evidence, excuse, alibi. The system shifts responsibility: the victim ends up scrutinised for her outfit, as though brutality were an aesthetic consequence rather than an act of power. Ahead of tragedy, there is perennial conditioning, mistrust, surveillance, self-protection turned routine.</div><div><br></div><div>This paradigm has been exposed again and again by movements tired of displaced blame. #MyOutfitIsNotConsent was born in Ireland to highlight the absurdity of linking sexual violence to appearance after a notorious court case involving a minor; #NiUnaMenos made clear we are not dealing with isolated incidents but with a structural pattern that kills and violates; #HandsOffMyHijab reminded everyone that forcing a woman to undress, uncover or obey an imposed dress code is violence as well.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Politics In Every Stitch</span></span></div><div><br></div><div>Getting dressed has never been a neutral act. Long before it became an industry, clothing signalled belonging, empowerment or reprimand; a boundary between what was permitted and what was condemned. In a world that audits women relentlessly, fashion has historically operated as a mechanism of control by dictating what must be hidden, what may be shown, what is deemed acceptable. Even so, it has also served as a site of resistance, a subversive artefact.</div><div><br></div><div>Throughout the twentieth century, countless women translated clothing into a form of insurrection. Suffragettes chose white to make themselves impossible to ignore. Coco Chanel freed bodies from the corset. Madeleine Vionnet redrew a silhouette once moulded to please. Vivienne Westwood turned provocation into a political stance. None of them spoke merely of style — they discussed freedom, territory, and who is entitled to decide over a body.</div><div><br></div><div>That legacy continues, despite the landscape changing. In the digital era, images circulate with a velocity that magnifies their impact, turning garments into immediate statements: Maria Grazia Chiuri reclaiming feminism as public position; Marine Serre crafting a visual universe shaped by environmental, migratory and gendered crises; the now-iconic “Protect the Dolls” T-shirt, a sharp warning against contemporary objectification.</div><div><br></div><div>When a community is denied a voice, the body speaks… and clothing answers.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">When Images Rise Up</span></span></div><div><br></div><div>Resistance is also written in images. In a world saturated with visuals, every appearance carries the potential to cross borders, disrupt silence and create a collective archive of dissent. This is not aesthetics for its own sake, but the political force of amplification: the moment when a photograph, a video or a look becomes evidence, solidarity, rupture.</div><div><br></div><div>Recent years have made this unmistakable. Cut hair raised as a symbol of Woman, Life, Freedom. Thousands dressed in black during #MeToo, turning mourning into a public denunciation. Racialised bodies reclaiming visibility on covers and timelines under the cry of #SayHerName. Protest no longer belongs solely to the street; it moves through the image that, repeated countless times, tears a hole in the silence.</div><div><br></div><div>Within this terrain, fashion operates as an amplifier. A garment, a pose, a frame — each can become a stance. None of this is accidental. Images remember, and resistance must be seen to be acknowledged. Where words falter, the body — and whatever covers it — completes the sentence.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>

25 de noviembre. Una fecha que no busca consuelo ni ceremonia: exige memoria. El Día Internacional para la Eliminación de la Violencia contra la Mujer nació para honrar a Patria, Minerva y María Teresa Mirabal, activistas brutalmente asesinadas en 1960 bajo la dictadura de Rafael Trujillo en República Dominicana. Su muerte convirtió el 25N en un grito global contra todas las violencias que intentan disciplinar, corregir o acallar a las mujeres.<div><br>
                                                                    <div></div><div>Más de sesenta años después, ese clamor sigue propagándose. Según ONU Mujeres, alrededor de una de cada tres mujeres en el mundo ha sufrido violencia física o sexual a lo largo de su vida. Millones viven sometidas a amenazas, coerciones, persecuciones digitales, formas de maltrato psicológico que no dejan moretones pero sí grietas profundas e irreparables. En 2023, más de 51.000 mujeres fueron asesinadas por su pareja o un miembro de la familia, lo que equivale a una media diaria de 140 feminicidios. La violencia persiste, muta, se traslada de lo doméstico a la pantalla, de lo visible a lo silencioso.</div><div><br></div><div>Sin embargo, la violencia no solo se manifiesta en forma de agresión física. Habita en la mirada que evalúa. En la culpa que se impone. En la pregunta que nunca debería existir —“¿qué llevabas puesto?”— y en la sospecha que recae siempre sobre el mismo cuerpo. Opera en lo cotidiano, en lo íntimo, en lo simbólico.</div><div><br></div><div>Por eso escribimos hoy. Porque el 25N no es tanto un homenaje como un recordatorio de que la violencia no comienza en el golpe, sino mucho antes: en cómo se observa, se juzga y se intenta controlar el cuerpo de una mujer.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Violencia que no deja marca, sí huella</span></span></div><div><br></div><div>La violencia invisible es, muchas veces, la que organiza la vida entera de una mujer. No copa titulares ni aparece en estadísticas; se cuela en gestos cotidianos, en pequeñas decisiones que se toman para esquivar un riesgo normalizado: cambiarse de ropa antes de salir, enviar un mensaje al llegar a casa, caminar por rutas iluminadas, evitar ciertos espacios, medir cada palabra. No es miedo irracional, es la adaptación constante —y forzada— a un entorno que promete castigo.</div><div><br></div><div>Sutil, perverso, asfixiante. Todo este discurso patriarcal parte de la premisa de que el cuerpo de una mujer es un objeto disponible para ser interrogado, opinado, disciplinado.</div><div><br></div><div>Y es ahí donde la moda entra involuntariamente, porque el juicio empieza por lo visible. La vestimenta se convierte en prueba, en excusa, en coartada. El sistema invierte la responsabilidad: la víctima acaba siendo cuestionada por su outfit, como si la brutalidad fuera una consecuencia estética y no un acto de poder. Antes de la tragedia, siempre hay un condicionamiento, el recelo, autoprotección que se torna en rutina.</div><div><br></div><div>Esta lógica ha sido expuesta una y otra vez por movimientos sociales que se han hartado de la culpa desplazada. #MyOutfitIsNotConsent nació en Irlanda para evidenciar el absurdo de vincular violencia sexual con apariencia a raíz de un mediático caso judicial contra una menor; #NiUnaMenos denunció que no hablamos de incidentes aislados, sino de un patrón estructural que asesina, vulnera y arrasa; y #HandsOffMyHijab recordó que también existe violencia cuando se obliga a una mujer a desvestirse, a descubrirse o a ceder a un código que no es el suyo.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">En cada puntada, política</span></span></div><div><br></div><div>Vestirse nunca ha sido un gesto inocente. Mucho antes de ser industria, la ropa fue un signo de pertenencia, un marcador de libertad o de escarmiento, una frontera entre lo permitido y lo sancionado. En un mundo que examina a las mujeres con lupa, la moda ha funcionado históricamente como mecanismo de control: lo que debían ocultar, lo que podían mostrar, lo que se consideraba aceptable. No obstante, también ha sido —y sigue siendo— un espacio de resistencia, un artefacto subversivo.</div><div><br></div><div>A lo largo del siglo XX, muchas mujeres tradujeron el vestir en una forma de insurrección. Las sufragistas eligieron el blanco para hacerse imposibles de ignorar. Coco Chanel liberó cuerpos del corsé. Madeleine Vionnet redibujó una silueta hasta entonces moldeada para complacer. Vivienne Westwood hizo de la provocación su manifiesto. Ninguna de ellas hablaba solamente de estilo —hablaban de libertad, de territorio, de quién decide sobre un cuerpo.</div><div><br></div><div>Ese legado continúa hoy, aunque el escenario haya cambiado. En la era digital, la imagen circula a una velocidad que multiplica su impacto, y la moda se vuelve un statement inmediato: los diseños de Maria Grazia Chiuri que reclaman el feminismo como posición pública; el imaginario de Marine Serre, construido desde la memoria de crisis ambientales, migratorias y de género; o la ya icónica camiseta “Protect the Dolls”, una advertencia frente a la cosificación contemporánea.</div><div><br></div><div>Porque cuando a un colectivo se le niega la voz, el cuerpo habla. Y la ropa responde.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Cuando la imagen protesta</span></span></div><div><br></div><div>La resistencia se inscribe asimismo en lo visual. Hoy, toda figura tiene la capacidad de atravesar fronteras, anular silencios y construir un archivo colectivo de rebeldía. No es la estética por estética, sino la potencia política del altavoz: el instante en que una fotografía, un vídeo o un look pasa a ser evidencia, en comunidad, en ruptura.</div><div><br></div><div>Los últimos años así lo han atestiguado. Cuando el cabello cortado se convirtió en símbolo del movimiento "Woman, Life, Freedom"; cuando miles de mujeres tomaron las calles vestidas de negro durante el #MeToo como forma de duelo y denuncia; cuando cuerpos racializados ocuparon portadas y timelines exigiendo presencia bajo el grito de #SayHerName. La protesta ya no se limita al espacio físico, sino que circula en la representación que, repetida miles de veces, abre una grieta en el silencio.</div><div><br></div><div>En ese terreno, la moda actúa como amplificador. Una prenda, un encuadre, una pose: todo puede transformarse en declaración. Y no es casual. La imagen no olvida y la oposición necesita ser vista para ser reconocida. Allí donde la palabra no alcanza, el cuerpo —y lo que lo cubre— completa la frase.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>

25N: El cuerpo como campo de batalla, el armario como resistencia

25N: The Body as Battlefield, the Wardrobe as Resistance

<span style="font-size: 18px;">Death never looked this good. Across the Fall/Winter 2025 runways, darkness took centre stage. Balenciaga turned the catwalk into a slow, processional march; Armani Privé cloaked romance in shadow; Rick Owens transformed minimalism into ritual. The result felt less like spectacle, more like ceremony. Less trend, more omen.</span><span style="font-size: 18px;">
                                                                    </span><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">Fashion has always flirted with passing — of beauty, of relevance, of the body itself. But lately, that fascination has grown louder. The silhouettes are heavier, the fabrics richer, the tones funereal yet exquisite. Velvet, lace and leather: the language of mourning reimagined as power dressing. What once symbolized loss now signals control.</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">This comeback of the gothic isn’t a coincidence. It mirrors a collective mood — a fatigue with speed, a hunger for depth, a strange allure of the end. As economies tighten and uncertainty looms, the industry seems to be asking: what remains beautiful when everything else begins to fade?</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">Out of this dusk rises a new kind of beauty: fragile yet deliberate, romantic yet restrained. The world may be unraveling, but fashion has found poetry in the penumbra.</span></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">The Return of Dark Romance</span></div><div><br></div><div>Call it noir elegance, mourning chic or simply the current zeitgeist — the dark has taken a new form, steeped in afterlight. Historically confined to underground subcultures, it presently drifts through couture salons and the endless scroll of social media. Designers are embracing the poetic weight of melancholy, building structures that whisper of mystery and layers that seem to breathe desire.</div><div><br></div><div>In the hands of Schiaparelli, Ann Demeulemeester or Alexander McQueen, this nocturnal sensibility becomes a study in composure. Draped silks and sculpted tailoring suggest authority without noise, transparency turns into both confession and defence. On red carpets and front rows, Jenna Ortega, Lady Gaga, Anya Taylor-Joy and Gabriette channel that same magnetic gravity; figures of a new twilight femininity that favours tension over innocence.</div><div><br></div><div>It isn’t nostalgia for bygone drama, nor rebellion for its own sake. It’s a craving for intensity in an age that flattens nuance. The revival of the nightly isn’t about hiding from the light but about reclaiming agency over how we’re seen.</div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">Beauty in Decay</span></div><div><br></div><div>When certainties collapse and the horizon blurs, style instinctively looks inward. Black echoes contemplation rather than lament; ornament retreats, leaving silence to speak. In these suspended moments, glamour softens. Garments acquire an armorial presence — weighty, intentional, imbued with an intimacy that resists extravagance.</div><div><br></div><div>Traces of use reveal a new honesty: a hem undone by movement, a surface dulled by touch, the faint crease where fabric once met skin. Each imperfection offers proof of life, a reminder that permanence was only ever an illusion. The fashion system, built on swiftness and substitution, suddenly pauses and invites a slower gaze. What stays? What erodes with grace?</div><div><br></div><div>Perhaps this shift toward patina is not just aesthetic; it can also be read as sentiment. In a culture addicted to acceleration and disposability, signs of continuity feel almost radical. What used to signify weariness now conveys care and allows for a sense of belonging.</div><div><br></div><div>To perceive refinement in decline is to acknowledge time as ally, not adversary. Every mark, stain or irregular grain testifies to participation — of maker, wearer, moment. For an industry often obsessed with reinvention, this awareness acts as a quiet correction: beauty doesn’t vanish with use; it absorbs it. What we name decay might, in truth, be evidence of having lived.</div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Dressing for the End of the World</span></div><div><br></div><div>Fashion has long been a barometer of shared emotion. As the globe tilts off balance, confidence wanes. The recent return to restraint reads less as a fad than as a temperature check — caution disguised as sophistication, a wish to appear composed when stability is scarce.</div><div><br></div><div>This instinct for reserve reflects the psychology of a downturn. Spending shifts from statement to strategy; value replaces novelty. Luxury recalibrates itself as durability, not display. The discreet palette that dominates both runways and streets is not nihilism but pragmatism: an armour against volatility, an attempt to remain elegant while the familiar falters.</div><div><br></div><div>Yet within this sobriety lies something quietly defiant. When optimism feels naïve, sleekness translates into resistance. Dressing carefully — even conservatively — is not submission to fear but a refusal to unravel.</div><div><br></div><div>To embrace instability is to recognise that steadiness is fleeting and taste, like hope, must adapt. In this subdued splendour rests a peculiar comfort: the certainty that finesse can endure crisis, that beauty persists after the lights dim. The end, judging by the looks, has style.</div>

<span style="font-size: 18px;">La muerte jamás había lucido tan bien. En las pasarelas de otoño/invierno 2025, la oscuridad se adueñó del protagonismo. Balenciaga convirtió el desfile en una marcha lenta y procesional, Armani Privé envolvió el romance en penumbra y Rick Owens ritualizó el minimalismo. El resultado fue menos espectáculo y más ceremonia, menos tendencia y más presagio.</span><span style="font-size: 18px;">
                                                                    </span><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">La moda siempre ha coqueteado con la idea del final —el del fulgor, la relevancia o el cuerpo . Aun así, esa fascinación se ha intensificado en los últimos tiempos. Las siluetas son más pesadas, los tejidos más densos y los tonos exquisitos aunque fúnebres. Terciopelo, encaje y cuero definen el lenguaje del luto, reinterpretado como una forma de poder. Lo que antes simbolizaba pérdida hoy expresa control.</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">El regreso de lo gótico no es una coincidencia, sino reflejo de un estado de ánimo colectivo: agotamiento ante la velocidad, anhelo de profundidad, una atracción extraña por lo que aguarda tras el fin. A medida que las economías se contraen y la incertidumbre se instala, la industria parece preguntarse: ¿qué permanece bello cuando todo alrededor empieza a desvanecerse?</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">De ese crepúsculo surge una belleza inédita, frágil y deliberada, romántica y contenida. El mundo puede estar desmoronándose, pero la estética ha encontrado poesía en la sombra.</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">El retorno del romance oscuro</span></div><div><br></div><div>Llamémoslo «elegancia noir», «duelo chic» o, simplemente, el espíritu de nuestro presente: lo tenebroso ha dejado de esconderse para impregnarse de un resplandor vespertino. Antaño confinado a las subculturas underground, se desliza ahora por los salones de la alta costura y el scrolling infinito de las redes sociales. Los diseñadores abrazan el peso poético de la melancolía, construyendo estructuras que susurran misterio y capas que respiran deseo.</div><div><br></div><div>En manos de Schiaparelli, Ann Demeulemeester y Alexander McQueen, esta sensibilidad nocturna muta en un ejercicio de contención. Las sedas drapeadas y la sastrería escultórica insinúan autoridad sin estridencias, mientras la transparencia sugiere confesión y defensa a la vez. En las alfombras rojas y el front row, figuras como Jenna Ortega, Lady Gaga, Anya Taylor-Joy y Gabriette encarnan esa feminidad del ocaso que prefiere la tensión a la inocencia.</div><div><br></div><div>No se trata de nostalgia por el dramatismo del pasado ni de la rebeldía por la rebeldía: es una necesidad de intensidad en una era que aplana los matices, una búsqueda de gravedad y sentido. Más que huir de la luz, este resurgir de lo lóbrego consiste en reclamar el derecho a decidir cómo queremos ser mirados.</div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">La belleza del deterioro</span></div><div><br></div><div>En cuanto las certezas se tambalean y el horizonte se difumina, el estilo deriva hacia la introspección. El negro abandona el lamento y adopta la contemplación. El ornamento se repliega para dejar hablar al silencio. En esta pausa suspendida, el brillo se atenúa y las prendas adquieren una presencia armorial: densas, llenas de intención, impregnadas de una intimidad que se resiste al exceso.</div><div><br></div><div>Las huellas de uso revelan una nueva honestidad. Un dobladillo deshecho por el movimiento, una superficie gastada por el roce, la leve marca donde la tela rozó la piel. Toda imperfección atestigua vida, recordándonos que la permanencia no fue sino una ilusión. El engranaje de la moda, sostenido por la rapidez y la sustitución, desacelera por un segundo y nos invita a una reflexión más lenta. ¿Qué perdura? ¿Qué se desvanece con gracia?</div><div><br></div><div>Quizá esta inclinación por la pátina sea, además de visual, emocional. En una cultura adicta a la inmediatez y al descarte, los signos de continuidad resultan casi revolucionarios. Lo que antes se leía como cansancio hoy transmite cuidado, pertenencia, vínculo.</div><div><br></div><div>Entrever refinamiento en la erosión es aceptar al tiempo como aliado y no como amenaza. Cada pliegue, mancha o irregularidad da testimonio de una participación —del creador, de quien viste, del instante mismo. Para un sector obcecado por la reinvención, esta conciencia actúa como una corrección silenciosa: el encanto no desaparece con el uso, lo absorbe. Tal vez lo que llamamos deterioro sea, en realidad, la prueba de haber vivido.</div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Vestirse para el fin del mundo</span></div><div><br></div><div>La moda ha funcionado históricamente como un termómetro sentimental. Cuando el planeta se tambalea, la confianza se erosiona. Más que un trend, el reciente giro hacia la mesura responde a un clima social: cautela disfrazada de sofisticación, el intento de conservar la compostura en medio del desconcierto.</div><div><br></div><div>Un cambio que refleja la psicología de una recesión. El gasto se transforma en estrategia; el valor sustituye a la novedad. El lujo se redefine como pervivencia, no como ostentación. La paleta sobria que domina pasarelas y calles no es nihilismo, sino pragmatismo: una armadura contra la volatilidad, una vía para mantenernos elegantes mientras lo familiar se desmorona.</div><div><br></div><div>Sin embargo, bajo esa sobriedad late una suerte de desafío. En una época en que el optimismo roza la ingenuidad, la discreción se traduce en resistencia. Arreglarse con prudencia —incluso con cierta reserva— no es rendirse al miedo, es negarse a desaparecer.</div><div><br></div><div>Acoger la inestabilidad es reconocer que la firmeza es efímera y que el gusto, como la esperanza, debe adaptarse. En este esplendor contenido habita un consuelo sutil: la certeza de que lo sofisticado sobrevive a las crisis, de que la belleza persiste incluso cuando se apagan las luces. Al final, si juzgamos por la apariencia, el fin también tiene estilo.</div>

EL GLAMUR DE LA TUMBA: LA OBSESIÓN DE LA MODA CON LA MUERTE

GLAMOUR OF THE GRAVE: FASHION’S OBSESSION WITH DEATH

<span style="font-size: 18px;">Virtual collections. Synthetic models. Algorithmic stylists. What once seemed like a fashion tech fever dream is now scrolling across our screens and shaping the way we dress, design, and define beauty. As generative AI tools spill into the creative sphere and the speculative becomes structural, fashion is facing a new kind of disruption: fast, frictionless, and immaterial.</span><div><br><span style="font-size: 18px;">
                                                                    </span><div></div><div><span style="font-size: 18px;">For an industry rooted in physicality—touch, texture, tailoring—the rise of artificial intelligence urgently raises uncomfortable questions. Can creativity be automated? Can identity be rendered synthetically? And as AI enters the atelier, who gets left behind?</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">This isn’t just a shift in aesthetics. It’s a shift in authorship, labor, and value. And it’s already happening.</span></div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Designing at Prompt Speed</span></span></div><div><br></div><div>In the new AI-powered landscape, creativity is no longer bound by sewing machines or sketchbooks—it’s driven by prompts. Tools like DALL·E and Midjourney allow anyone to shape editorial-ready visuals in seconds, no fabric or fittings required. The imagery is hyper-slick, glossy, and eerily perfect. The process feels effortless, but the implications run deep.</div><div><br></div><div>In 2023, Paris-based label Casablanca unveiled Futuro Optimisto, a campaign crafted entirely through AI. The results (chrome horses, floating tennis courts, models that seem to glow from within) were dazzling, but also disorienting. No humans were photographed. No garments were handmade. It was fashion untethered from its material core.</div><div><br></div><div>Not only are campaigns going virtual, but so is the entire design process. With AI resources multiplying and growing more intuitive, sketching, draping, and sampling are giving way to prompting, iterating, and rendering. Craft is turning into code. Fashion is no longer confined to the studio; it now unfolds across screens, where a new generation of creators is finding its footing in the algorithmic realm.</div><div><br></div><div>Initiatives like The New Black position themselves as digital ateliers for the AI age: open, fast, and radically accessible. Interfaces that once required technical fluency or expensive software now invite experimentation through plain language. For emerging talents, it’s a powerful gateway. For legacy brands, it poses a deeper challenge: if design is democratized—and inspiration machine-spun rather than gestated—who decides what’s worth producing in a time of polished simulations?</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">Dressed by the Algorithm</span></div><div><br></div><div>If algorithms can conceive collections, why not assemble looks too? For Gen Z, the answer increasingly leans toward yes. Fashion-conscious users are turning to AI-powered platforms not just for inspiration but for personal guidance, outsourcing taste itself. One standout example: Cladwell, a digital fashion advisor built on ChatGPT, capable of recommending outfits based on weather, calendar events, mood, or aesthetic references. It doesn’t just suggest what to wear; it learns what you like. Instantly.</div><div><br></div><div>As these systems evolve into more conversational and customizable environments, the traditional role of the stylist—once an interpreter, a curator, a collaborator—begins to blur. Why book a session when you can chat with a bot that’s available 24/7, free of charge, and trained on millions of data points? The image-maker now competes with a machine that never sleeps and knows every microtrend in circulation.</div><div><br></div><div>Meanwhile, platforms such as Daydream are reframing how fashion is discovered. Marketed as an “AI-powered inspiration engine,” it reorganizes how users encounter style not by brand or season, but through adaptive pathways of desire. Rather than dictating trends, it’s about decentralizing them.</div><div><br></div><div>In this new landscape, taste is no longer a slow-brewing sensibility—it’s a service. Curated, automated, and always on.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Pixel-Perfect Faces</span></span></div><div><br></div><div>They don’t age, blink off-beat, or ask for a day rate. Digital models—designed by humans, trained by datasets, and optimized for engagement—have quietly slipped into the front rows of fashion. Figures like Shudu, often dubbed “the world’s first digital supermodel,” or Spanish Aitana López, an entirely AI-generated influencer, now land brand deals, rack up followers, and front campaigns that blur the line between real and rendered.</div><div><br></div><div>At first glance, these avatars promise efficiency. No travel. No logistics. No human error. For brands, they offer full creative control over appearance, lighting, setting, and even personality. But beneath the surface, a more complicated picture emerges: one in which visibility and representation are simulated, not lived. Diversity becomes a visual filter. Identity, an asset to be programmed.</div><div><br></div><div>This phenomenon could bring tangible consequences for those behind the profession. If campaigns were to be built around virtual bodies, the demand for real ones could fade, leading to fewer jobs, fewer castings, and fewer chances for aspiring models to break into an industry already marked by volatility and gatekeeping. The competition would come without contracts, fatigue, or flaws.</div><div><br></div><div>While synthetic faces are often praised for championing diversity, they do so without stories, struggle, or lived identity. What looks like progress on the surface risks becoming a new kind of erasure, where inclusion is aestheticized but not embodied.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>


                                    
                                    <span style="font-size: 18px;">Colecciones virtuales. Modelos sintéticos. Estilistas algorítmicos. Lo que hace poco parecía un delirio tecnofuturista desfila hoy por nuestros dispositivos y empieza a moldear la forma en que vestimos, diseñamos y definimos la belleza. A medida que las herramientas de IA generativa se hacen hueco en la esfera creativa y lo especulativo se vuelve estructural, la moda se enfrenta a un nuevo tipo de disrupción: rápida, sin fricción e inmaterial.</span><div><br><span style="font-size: 18px;">
                                                                    </span><div></div><div><span style="font-size: 18px;">Para una industria arraigada en la fisicidad (el tacto, la textura, el patronaje), el auge de la inteligencia artificial plantea preguntas incómodas. ¿Puede la creatividad automatizarse? ¿Y la identidad, ser renderizada? Cuando la IA se adentra en el atelier, ¿quién se queda fuera?</span></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px;">No es solo una transformación estética. Asimismo, es un cambio en la autoría, el trabajo y el valor, y ya está en marcha.</span></div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Diseñar a velocidad de prompt</span></span></div><div><br></div><div>En el inaudito escenario propulsado por la inteligencia artificial, la creatividad no depende de la máquina de coser ni del cuaderno de bocetos: ahora se activa a golpe de prompt. Aplicaciones como DALL·E o Midjourney permiten a cualquiera generar visuales dignos de una editorial en cuestión de segundos, sin necesidad de tejido ni pruebas de vestuario. Las imágenes son hiperlisas, brillantes, inquietantemente perfectas. El proceso parece inmediato, pero las implicaciones son complejas en profundidad.</div><div><br></div><div>En 2023, la firma parisina Casablanca presentó Futuro Optimisto, una campaña ejecutada íntegramente mediante IA. El resultado (caballos cromados, pistas de tenis flotantes, modelos que parecen brillar desde dentro) fue deslumbrante y a la vez desconcertante. No se fotografió a ninguna persona ni se confeccionó ninguna prenda; era moda desligada de su núcleo material.</div><div><br></div><div>Lo virtual empieza a reconfigurar el proceso de diseño en su totalidad. Según proliferan los recursos basados en IA y se vuelven más intuitivos, dibujar, drapear y prototipar cede el paso a escribir prompts, iterar y renderizar. El oficio se convierte en código. La moda ya no habita exclusivamente en el estudio, sino que se despliega en las pantallas, donde una nueva generación de creadores está encontrando su lugar en el entorno algorítmico.</div><div><br></div><div>Iniciativas como The New Black se presentan como ateliers digitales abiertos, ágiles y radicalmente accesibles. Interfaces que antes requerían formación técnica o software de pago invitan en la actualidad a experimentar usando tan solo el lenguaje. Para los nuevos talentos, es una empoderadora y sugerente vía de entrada. Para las marcas consolidadas, no obstante, representa un desafío mayor: si el diseño se democratiza y la inspiración se genera por operaciones en lugar de gestarse orgánicamente, ¿quién decide qué vale la pena producir en una era de simulaciones pulidas?</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Vestido por el algoritmo</span></span></div><div><br></div><div>Si los algoritmos pueden concebir colecciones, ¿por qué no podrían también armar estilismos? Para la generación Z, la respuesta se inclina cada vez más hacia el sí. Usuarios con sensibilidad estética recurren a plataformas impulsadas por IA para, más allá de inspirarse, recibir orientación personalizada, delegando el gusto en la máquina. Un ejemplo representativo es Cladwell, un asesor digital de moda construido sobre ChatGPT, capaz de recomendar outfits en función del clima, la agenda, el estado de ánimo o una referencia visual. No solo sugiere qué ponerse; también aprende lo que te gusta al instante.</div><div><br></div><div>A medida que estos sistemas evolucionan hacia entornos más conversacionales y personalizables, el papel tradicional del estilista (antes intérprete, curador, colaborador presencial) comienza a desdibujarse. ¿Para qué reservar una sesión si puedes conversar con un bot disponible las 24 horas, gratuito y entrenado con millones de datos? El creador de imagen compite ahora con un androide que nunca duerme y conoce toda microtendencia.</div><div><br></div><div>Mientras tanto, start-ups como Daydream están replanteando cómo descubrimos la moda. Promocionada como un “motor de inspiración potenciado por IA”, esta herramienta reorganiza el modo en que los usuarios acceden al estilo: no por marca o temporada, sino a través de rutas adaptativas de deseo. No se trata tanto de dictar tendencias como de descentralizarlas.</div><div><br></div><div>En este nuevo paisaje, el gusto ya no se cultiva a fuego lento: se ofrece como servicio. Curado, automatizado y siempre a punto.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Rostros de píxel perfectos</span></span></div><div><br></div><div>No envejecen, ni parpadean fuera de ritmo, ni tampoco negocian su caché. Los modelos digitales (diseñados por humanos, entrenados con datos y optimizados para captar atención) se han colado, sin hacer ruido, en las primeras filas de la moda. Figuras como Shudu, considerada “la primera supermodelo digital del mundo”, o la española Aitana López, influencer generada íntegramente por IA, firman contratos con marcas, acumulan seguidores y protagonizan campañas que diluyen la línea entre lo real y lo renderizado.</div><div><br></div><div>A primera vista, estas avatares prometen eficiencia. Sin desplazamientos. Sin logística. Sin margen de error humano. Para las firmas, suponen control absoluto sobre la apariencia, la luz, el encuadre e incluso la personalidad. Pero bajo la superficie se dibuja un panorama más inquietante: uno en el que la visibilidad y la representación se simulan, pero no se viven. La diversidad se convierte en filtro visual. La identidad, en atributo programable.</div><div><br></div><div>Este fenómeno podría acarrear consecuencias tangibles para quienes ejercen la profesión. Si las campañas empezaran a construirse en torno a cuerpos virtuales, la demanda de presencias reales podría disiparse, reduciendo castings, oportunidades y contrataciones para modelos emergentes en una industria ya marcada por la inestabilidad y la exclusión. La competencia llegaría sin acuerdos, fatiga o imperfecciones.</div><div><br></div><div>Aunque estos rostros sintéticos se celebren como símbolo de inclusión, no traen consigo historias, luchas ni experiencias encarnadas. Lo que parece avance corre el riesgo de convertirse en una nueva forma de borrado; una donde la inclusión se estetiza, pero no se encarna.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>                                                                

La IA entra en escena: ¿a quién reemplaza la moda virtual?

AI Meets Fashion: Who Gets Replaced in the Virtual Shift

<span style="font-style: italic;">In a moment where rainbow marketing floods every feed, raising one’s voice —authentic, contradictory, political— is still an act of resistance. And of beauty.</span><div><br>
                                                                    <div>Pride is not silence.&nbsp;</div><div>Not assimilation.&nbsp;</div><div>Not self-erasure.&nbsp;</div><div>Not apology.</div><div><br></div><div>Pride is showing up.</div><div>Speaking out.</div><div>Being visible, even when it’s inconvenient.</div><div>Walking with intention.</div><div>Dressing without fear.</div><div>Speaking with your hands.</div><div>Taking up space with your body — even when it doesn’t fit expectations.</div><div>It’s queerness expressed through gesture, attitude, volume. Through what some call “too much.”</div><div><br></div><div>To be proud is to be loud.</div><div>As in visible, unmissable.</div><div>As in: “I will not dilute myself so you can be comfortable.”</div><div><br></div><div>Because yes — femininity in men, masculinity in women, gender nonconformity in everyone — that too is pride. And it deserves the mic.</div><div><br></div><div>We’ve been told to tone it down.&nbsp;</div><div>To act straight.</div><div>To fit in.</div><div><br></div><div>But flamboyance is not a phase.</div><div>Butch is not a costume.</div><div>Queer expression is not a problem — it’s power.&nbsp;</div><div>And that’s why we turn the volume up.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Being oneself: visibility as power</span></div><div><br></div><div>In queer life, visibility is never just about being seen — it’s about being interpreted. And not always correctly. It can be both liberating and dangerous. A gesture, a pitch, a haircut can carry more meaning than a full sentence. Sometimes it signals safety. Sometimes it invites violence. But often, it’s not a choice — it’s simply who we are. Unapologetically.</div><div><br></div><div>To be visible is to risk being read before being known. And yet, choosing to be visible remains one of the most powerful things we can do.</div><div><br></div><div>For some, that visibility takes the shape of softness in a body expected to be hard. For others, it’s in the refusal to smooth out edges, to "pass", to explain. Whether it comes through butch masculinity, femme flamboyance, or a quiet defiance of gendered codes, this expression is rarely casual — it’s built on years of tension, observation, resistance.</div><div><br></div><div>&nbsp;Writer Flanagan McPhee tweeted: “Every time I speak, I feel like I’m undoing years of being erased.” That feeling — of pushing back against centuries of misrecognition — is familiar to many. And it reminds us that visibility, when claimed on one’s own terms, is not about performance. It’s about presence. Not about standing out. But about no longer being asked to disappear.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Love Is LoveTM</span></div><div><br></div><div>Each June, the flood begins. Rainbow logos bloom like clockwork. Collections rebrand as “inclusive.” Campaigns speak of love and liberation. But come July, the colours fade — and so does the noise.</div><div><br></div><div>In the age of marketing, queerness has become a currency. A tool to boost relevance, to signal progressiveness, to momentarily “diversify” the grid. But what happens when that spotlight is borrowed, not lived? When queerness becomes aesthetic, and solidarity a seasonal strategy?</div><div><br></div><div>Queerness isn’t a trend. It doesn’t follow seasonal logic. It doesn’t fit the marketing calendar. It doesn’t flatten itself for convenience. It lives in the everyday — complex, contradictory, and deeply embodied.</div><div><br></div><div>Representation without structural change is just performance. Support without commitment is just branding. And too often, we’re offered tokens where there should be presence. A flash of colour. A borrowed face. A curated moment. But if there’s no one queer in the boardroom, no one behind the camera, no one in the creative brief... what are we really celebrating? Are you here because it matters, or because it sells?</div><div><br></div><div>Still, there are gestures that resist simplification. When “Protect the Dolls” moves from a printed phrase to a political demand. When Alex Consani takes the runway not just as a model, but as a trans woman refusing to be exceptionalised. When Lauren Chan graces the cover of Sports Illustrated Swimsuit and brings queerness and body politics into a mainstream that still struggles to hold either. When Hari Nef or Hunter Schafer appear in campaigns without hiding the tension they carry — and without being asked to.</div><div><br></div><div>These aren’t diversity checkboxes. They’re cultural forces. Interruptions. Frictions. Refusals to be tamed. And they remind us that Pride doesn’t ask to be included — it claims space.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">Why we raise our voice</span></div><div><br></div><div>At UNO, we don’t believe in representation as an afterthought. We don’t believe in celebrating diversity when it’s convenient, or in spotlighting identities only when the algorithm rewards it.</div><div><br></div><div>We work in an industry shaped by images — and images shape how we’re seen. Who gets to be looked at. Who gets to be hired. Who gets to be imagined.</div><div><br></div><div>That’s why we’ve made space not just for different faces, but for different ways of being. For bodies that carry stories. For identities that aren’t always easy to define. For voices that don’t echo the mainstream — and never intended to.</div><div><br></div><div>From day one, our job has never been to polish or neutralise. It’s been to accompany. To amplify. To insist that beauty isn’t found in erasure, but in specificity. In presence that isn’t asked to compromise.</div><div><br></div><div>We don’t raise our voice because it’s fashionable.&nbsp;</div><div>We raise it because too many still don’t get to.</div></div>


                                    <span style="font-style: italic;">En un momento en que el marketing arcoíris inunda todo feed, alzar la voz —auténtica, contradictoria, política— sigue siendo un acto de resistencia. Y de belleza.</span><div><br>
                                                                    <div>Orgullo no es silencio.&nbsp;</div><div>No es asimilación.</div><div>No es autoborrado.&nbsp;</div><div>No es disculpa.</div><div><br></div><div>Orgullo es exponerse.</div><div>Manifestar opinión.</div><div>Hacerse ver, incluso cuando no es conveniente.</div><div>Caminar con intención.</div><div>Vestirse sin miedo.</div><div>Hablar con las manos.</div><div>Ocupar espacio con el cuerpo, aunque no se rija por el canon.</div><div>Expresarse en gesto, actitud, volumen. En lo que algunxs consideran “demasiado”.</div><div><br></div><div>Orgullo es hacer ruido.</div><div>En el sentido de ser visible. Inconfundible. Inevitable.</div><div>En el sentido de: “No voy a achicarme solo para que tú estés cómodx.”</div><div><br></div><div>Porque sí: la feminidad en los hombres, la masculinidad en las mujeres, la no conformidad de género en cualquiera también es orgullo. Y merece un micrófono.</div><div><br></div><div>Nos han dicho que bajemos el tono.&nbsp;</div><div>Que nos ajustemos a la norma.</div><div>Que encajemos.</div><div><br></div><div>Pero la pluma no es una fase.</div><div>Lo butch no es un disfraz.</div><div>Lo queer no es un problema. Es poder.&nbsp;</div><div>Y por eso, subimos el volumen.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Ser unx mismx: la visibilidad como poder</span></div><div><br></div><div>En la vida queer, ser visible no es solo cuestión de ser vistx, sino también de ser interpretadx. Y no siempre de forma justa. Puede ser liberador, sí, pero también peligroso. Un gesto, un tono de voz, un corte de pelo pueden decir más que un discurso entero. A veces son señal de seguridad; otras, incitan a la violencia. Pero a menudo no es una elección — sencillamente, somos así. Sin complejos.</div><div><br></div><div>Ser visible es exponerse a ser leídx antes de ser conocidx. Y aun así, decidir mostrarse sigue siendo uno de los actos más poderosos que podemos ejercer.</div><div><br></div><div>Para algunxs, esa visibilidad toma la forma de una suavidad que no se espera en su cuerpo. Para otrxs, está en la negativa a disimular los bordes, a “pasar desapercibidx”, a justificarse. A veces se manifiesta en una masculinidad butch, a veces en una exuberancia femme, a veces en una</div><div>&nbsp;resistencia silenciosa a los códigos de género. Pero casi nunca es casual. Es una forma que nace de años de tensión, de observación, de autodefensa.</div><div><br></div><div>El escritor Flanagan McPhee tuiteó recientemente: “Cada vez que hablo, siento que deshago años de haber sido borrado.” Ese sentimiento —el de dejar atrás siglos de ausencia de reconocimiento— nos recuerda que la visibilidad, cuando se reclama en términos propios, no es performativo. Se trata de presencia. No de destacar, sino de dejar de pedir permiso para ser y estar.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Love Is LoveTM</span></div><div><br></div><div>Cada junio empieza la avalancha. Logos arcoíris que florecen como por arte de magia. Colecciones que se lanzan con la etiqueta de “inclusiva”. Campañas que hablan de amor y liberación. Pero llega julio, y los colores se apagan. Y con ellos, desaparece el ruido.</div><div><br></div><div>En tiempos de marketing, lo queer se ha convertido en moneda. Un recurso para ganar relevancia, para simular progreso, para diversificar un grid durante unas semanas. Pero ¿qué pasa cuando esa visibilidad es prestada, no vivida; cuando lo queer se vuelve estética, y la solidaridad, una estrategia estacional?</div><div><br></div><div>Ser queer no es una tendencia. No sigue la lógica de las temporadas. No encaja en el calendario de campañas. No se suaviza para agradar. Se vive cada día — de forma compleja, contradictoria, profundamente encarnada.</div><div><br></div><div>La representación sin cambios estructurales es solo una puesta en escena. El apoyo sin compromiso, puro branding. Y son demasiadas las veces en que nos ofrecen tokens donde debería haber presencia. Un destello de color. Una cara prestada. Un momento cuidado al milímetro. Pero si no hay personas queer en la sala de decisiones, detrás de la cámara, en el briefing creativo... ¿qué estamos celebrando realmente? ¿Estás aquí porque importa o porque vende?</div><div><br></div><div>Aun así, hay gestos que se oponen a la simplificación. Cuando “Protect the Dolls” deja de ser una camiseta para convertirse en una exigencia política. Cuando Alex Consani pisa la pasarela no solo como modelo, sino como mujer trans que se niega a ser tratada como una excepción. Cuando Lauren Chan aparece en la portada de Sports Illustrated Swimsuit y pone sobre la mesa la visibilidad lésbica y la política del cuerpo en un mainstream que sigue sin saber sostenerlas. Cuando Hari Nef o Hunter Schafer protagonizan campañas sin tener que esconder la tensión que encarnan — y sin que nadie se lo pida.</div><div><br></div><div>Estas, y muchas otras, no son casillas de diversidad para llenar. Son fuerzas culturales. Interrupciones. Fricciones. Negativas a ser domesticadas. Y nos recuerdan que el Orgullo no pide permiso para entrar. Reclama espacio.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold; font-size: 18px;">Por qué alzamos la voz</span></div><div><br></div><div>En UNO no entendemos la representación como una coletilla. No creemos en celebrar la diversidad solo cuando conviene, ni en poner el foco sobre ciertas identidades únicamente cuando el algoritmo lo recompensa.</div><div><br></div><div>Trabajamos en una industria regida por la imagen —y las imágenes moldean cómo nos ven. Quién puede ser miradx. Quién consigue el trabajo. Quién se convierte en posibilidad.</div><div><br></div><div>Por eso, en lugar de buscar caras distintas que digan lo mismo, abrimos espacio a otras formas de estar. A cuerpos que cargan historias. A identidades que no siempre se dejan definir. A voces que no repiten la misma historieta de siempre —y que nunca pretendieron hacerlo.</div><div><br></div><div>Desde el principio, nuestro trabajo no ha sido pulir ni neutralizar. Ha sido acompañar. Amplificar. Insistir en que la belleza no está en la omisión, sino en el detalle. En la presencia que no se disculpa.</div><div><br></div><div>No alzamos la voz porque esté de moda.&nbsp;</div><div>La alzamos porque muchxs aún no pueden.</div></div>                                

ORGULLO ES HACER RUIDO

TO BE PROUD IS TO BE LOUD

The skirts are getting longer. The fabrics are thicker. The colours — slate, sand, oatmeal — have softened in intensity. Logos are vanishing, silhouettes repeating, and luxury, once loud and theatrical, now whispers in cashmere and camel wool. At first glance, this might seem like a seasonal shift. But style rarely moves in a vacuum.<div><br>
                                                                    <div></div><div>From London to Milan, Autumn/Winter 2025 runways have adopted a distinctly careful tone. Neutral palettes, sharp tailoring, minimal ornamentation… everything seems to say: “Don’t stand out, stay composed”. A subtle elegance has taken over, echoing a wider social mood. And it’s not the first time we’ve witnessed this phenomenon. Throughout modern history, fashion has responded — consciously or not — to economic turbulence. Hemlines dropped during the Great Depression. Minimalism rose with the 2008 crash. Even hair colour isn’t exempt: “Recession blondes” are making headlines again, favouring muted tones over high-maintenance glam.</div><div><br></div><div>This isn’t just a question of aesthetics. It’s a reflection of uncertainty, of a collective instinct to dress with restraint, or for protection. Clothing, often dismissed as frivolous, becomes an emotional currency in moments like these. And in 2025, it’s speaking volumes. Quietly, but clearly.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Signs Of The Times</span></span></div><div><br></div><div>Garments don’t just cover more leg — they slow down the pace. Longer hems shift how a body moves through space, borrowing gravity and grace from another time. But they also speak to the now. Whether or not designers are consciously invoking the Hemline Index, the theory is circulating again: when economic optimism falters, hemlines tend to fall. It’s not a fixed law, but a cultural reflex — part superstition, part strategic adaptation.</div><div><br></div><div>Fashion, after all, doesn’t just design for the eye. It sells mood. And moods follow money. When the global economy tightens, so does clothing. Volume contracts, embellishment disappears, colour drains from collections. But this isn’t about austerity dressing in the literal sense. It’s about risk aversion not only for the customer but also for the industry itself. In times of volatility, fashion shifts from experiment to assurance.</div><div><br></div><div>That instinct was everywhere this season. At The Row, tailoring came razor-sharp but nearly invisible in palette; quiet dominance cut in bone, slate and charcoal. Max Mara offered coats like architecture, built to last, emotionally and structurally. Meanwhile, at Bottega Veneta, Matthieu Blazy’s show felt less like a crescendo than a consolidation — rich in craftsmanship, but intentionally subdued. Even Miu Miu, usually playful and referential, leaned into a pragmatic softness, grounding its silhouettes in something close to subtlety.</div><div><br></div><div>These are not the clothes of escapism. They’re tools — functional, precise, defensive. Brands, aware of the uncertainty ahead, are simplifying, streamlining, banking on the familiar. Reducing not just to reduce, but to retain. Creative risk gets postponed in favour of pieces that will sell, that won’t age quickly, that justify their price in utility rather than novelty. Safety is no longer passive; it’s premium. It signals durability, wisdom, longevity. It satisfies investors as much as it soothes consumers. And in that equation, style becomes not just a reflection of fear, but a form of economic logic.</div><div><br></div><div>What we’re seeing isn’t creative fatigue. It’s creative hedging. A question with high stakes arises: who can afford to make a mistake?</div><div><br></div></div><hr><div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-size: 18px; font-weight: bold;">The Price Of Discretion</span></div><div><br></div><div>Gone are the logos, the monograms, the maximalist gestures. In their place: silence, structure, surface. A thirty-thousand-euro coat that only a handful of people will recognise. A handbag that says nothing — unless you know exactly what to hear. This is the new code: if you know, you know.</div><div><br></div><div>Quiet luxury may look subdued, but it’s anything but modest. It requires fluency in materials, tailoring, context. It’s a language of access disguised as simplicity. The stitches matter. The weight of a fabric matters. The absence of flash becomes the ultimate flex. In the wake of economic hesitation, wealth no longer flaunts itself — it hides in plain sight.</div><div><br></div><div>This discretion is not democratic. When the reductionist aesthetic becomes one of power, invisibility becomes its own form of privilege. To disappear, you first have to be seen. The risk of being mistaken for “ordinary” only exists when you’ve already established status. For the rest, visibility is still a currency.</div><div><br></div><div>Fashion knows how to monetise a mood. In 2025, simplicity has become aspirational. Understatement, a commodity. The less a garment reveals, the more power it signals. And silence? That’s the luxury item of the moment — expensive, exclusive, and instantly recognisable to those who matter.</div><div><br></div></div><hr><div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Soft Armour</span></span></div><div><br></div><div>Not every outfit is designed to impress. Some are built to protect. In our erratic present, the act of getting dressed becomes less about visibility and more about resilience. There’s comfort in repetition — the familiar cut of a coat, the dependable weight of wool, the daily ritual of neutral tones layered just right. These garments don't demand attention. They offer stability. They ground the body in structure when the world around it feels increasingly fluid.</div><div><br></div><div>This is fashion as a kind of fortification — not loud, but deliberate. The appeal lies in its tactility, its precision. Sharp shoulders, deep pockets, substantial fabrics: pieces that don't just clothe, but hold. There’s reassurance in their weight, clarity in their construction. They promise not transformation, but containment. In their silence, they speak of control. Of preservation. Of a desire not to dazzle, but to endure.</div><div><br></div><div>Dressing like this isn’t about detachment — it’s about boundaries. A way to maintain shape, to draw a line between self and chaos. Clothes become soft armour, emotional scaffolding, daily proof that even in disorder, we can assemble ourselves. And that, too, is a kind of power.</div><div><br></div><div>Because if fashion has always been about performance, 2025 reminds us it can also be about protection. About the dignity of holding back. The politics of looking composed. The strength in not shouting. And perhaps that’s the real signal of this season — a refusal to collapse.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>


                                    
                                    
                                    Las faldas se alargan. Los tejidos se vuelven más gruesos. Los colores —gris pizarra, arena, crudo— rebajan su intensidad. Los logotipos desaparecen, las siluetas se repiten y el lujo, antes teatral y estridente, hoy susurra en cachemir y lana de camello. A simple vista, podría parecer un cambio de temporada. Pero el estilo rara vez evoluciona aisladamente.<div><br>
                                                                    <div></div><div>De Londres a Milán, las pasarelas de otoño/invierno 2025 han hecho de la prudencia un patrón. Paletas neutras, sastrería precisa, ornamentación mínima… todo parece susurrar: “No destaques, mantén la compostura”. Una elegancia sutil se impone, reflejando un ánimo social más amplio.</div><div><br></div><div>No es la primera vez que asistimos a este fenómeno. A lo largo de la historia, la moda ha respondido —de manera consciente o no— a las turbulencias económicas. Los dobladillos cayeron durante la Gran Depresión. El minimalismo resurgió tras la crisis de 2008. Tampoco es una excepción el color de pelo: los “rubios de recesión” vuelven a copar los titulares, apostando por tonos apagados frente al glamur más estridente.</div><div><br></div><div>El paradigma trasciende la estética: se trata de un reflejo de la incertidumbre, de un instinto colectivo de vestirse con contención o con ánimo de protección. La ropa, a menudo considerada como una frivolidad, se convierte en una moneda emocional en momentos como el actual. Y en 2025, nos habla alto y claro. En voz baja, pero con determinación.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Signos de los tiempos</span></span></div><div><br></div><div>Las prendas no solo cubren más pierna: ralentizan el paso. Los largos reformulan cómo se mueve el cuerpo en el espacio, otorgándole la gravedad y la gracia de otra época. Pero también hablan del ahora. Aunque los diseñadores no invoquen conscientemente el Hemline Index, la teoría vuelve a circular: cuando el optimismo económico flaquea, las faldas tienden a caer. No es una ley inmutable, pero sí un reflejo cultural —en parte superstición, en parte adaptación estratégica.</div><div><br></div><div>La moda, al fin y al cabo, no diseña solo para el ojo. Vende estados de ánimo. Y los estados de ánimo siguen al dinero. Cuando la economía global se resiente, también lo hace el vestuario. Los volúmenes se contraen, la ornamentación desaparece, el color se escurre entre las colecciones. Pero no hablamos de un regreso literal a la austeridad. Es más bien una aversión al riesgo, tanto por parte de los consumidores como de la propia industria. En tiempos de volatilidad, la moda se repliega del experimento a la certidumbre.</div><div><br></div><div>Ese instinto fue tendencia esta temporada. En The Row, la sastrería era afilada aunque casi invisible en su paleta, con un protagonismo silencioso del hueso y el carbón. Max Mara presentó abrigos que actuaban como arquitecturas, construidos para durar emocional y estructuralmente. Mientras tanto, en Bottega Veneta, el desfile de Matthieu Blazy se sintió menos como un clímax que como una consolidación: artesanía exquisita, pero deliberadamente contenida. Incluso Miu Miu, habitualmente juguetona y referencial, abrazó una suavidad pragmática, acercando sus siluetas a lo sobrio.</div><div><br></div><div>Estas no son prendas de evasión, sino herramientas —funcionales, precisas, defensivas. Las marcas, conscientes de la incerteza que se avecina, apuestan por simplificar, depurar, confiar en lo familiar. Reducen, no por reducir, sino para retener. El riesgo creativo se pospone en favor de piezas que venderán, que no envejecerán rápido, que justificarán su precio por su utilidad más que por su novedad. La seguridad ya no es pasiva, es un activo premium; es señal de durabilidad, sabiduría, longevidad, satisfaciendo a inversores y tranquilizando a consumidores. Y en esa ecuación, el estilo deja de ser solo un reflejo del miedo para convertirse en una estrategia económica.</div><div><br></div><div>En un presente de cobertura —que no tedio— creativa, surge la pregunta: ¿quién puede permitirse equivocarse?</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">El precio de la discreción</span></span></div><div><br></div><div>Adiós a los logos, a los monogramas, a los gestos maximalistas. En su lugar: silencio, estructura, superficie. Un abrigo de treinta mil euros que solo unos pocos sabrán reconocer. Un bolso que no dice nada, salvo para quien sabe exactamente qué escuchar. Este es el nuevo código: “si lo sabes, lo sabes” (iykyk).</div><div><br></div><div>El lujo silencioso puede parecer contenido, pero dista mucho de ser modesto, pues exige fluidez en materiales, en costura, en contexto. Es un lenguaje de acceso disfrazado de simplicidad. Cada puntada cuenta. Cada gramo de tela tiene su peso. La ausencia de ostentación se convierte en la mayor declaración de intenciones. Ante la duda económica, la riqueza ya no se exhibe, sino que se camufla a plena vista.</div><div><br></div><div>Esta discreción no es democrática. Cuando la estética de la reducción se convierte en símbolo de poder, la invisibilidad se transforma en un privilegio. Para desaparecer, primero hay que haber sido visto. El riesgo de parecer “común” únicamente existe para quien ya ha establecido su estatus. Para los demás, la visibilidad sigue siendo moneda de cambio.</div><div><br></div><div>La moda sabe cómo rentabilizar un estado de ánimo. En 2025, la sencillez es aspiracional. El gesto contenido, una mercancía. Cuanto menos revela una prenda, más poder transmite. ¿El silencio? El verdadero objeto de lujo del momento: caro, exclusivo y reconocible solo para quienes importan.</div><div><br></div><div><br></div><div><span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: 18px;">Armadura blanda</span></span></div><div><br></div><div>No todos los outfits están pensados para impresionar —algunos, lo están para proteger. En un presente errático, vestirse deja de ser un acto de visibilidad para convertirse en uno de resistencia. Hay consuelo en la repetición: el corte familiar de un abrigo, el peso confiable de la lana, el ritual diario de superponer tonos neutros. Estas prendas no piden atención, sino que ofrecen estabilidad, anclando el cuerpo en la estructura cuando el mundo que lo rodea se vuelve cada vez más líquido.</div><div><br></div><div>La moda como fortificación deliberada. Su atractivo radica en lo táctil, en la precisión. Hombros marcados, bolsillos profundos, tejidos robustos: piezas que visten, y sostienen. Hay tranquilidad en su peso, claridad en su construcción. No prometen transformación, sino contención. En su silencio, hablan de autocontrol. De preservación. De un deseo no de deslumbrar, sino de resistir.</div><div><br></div><div>Vestirse así no es desconexión: es trazar fronteras. Una manera de mantener la forma, de dibujar un límite entre uno mismo y el caos. Las prendas se convierten en armadura blanda, en andamio emocional, en prueba cotidiana de que, incluso en el desorden, podemos recomponernos. Y eso, también, es una forma de poder.</div><div><br></div><div>Porque si la moda siempre ha sido una cuestión de performance, 2025 nos recuerda que también puede ser protección. De la dignidad de contenerse. De la política de mantenerse fir. De la fuerza de no gritar. Quizá ese sea el verdadero mensaje de esta temporada: la negativa a derrumbarse.</div><div><br></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div></div>                                                                                                